El programa de esta tarde nos invita a disfrutar del colorido musical concebido al otro lado del Atlántico.

 

El Danzón nº 2 de Arturo Márquez (Álamos, México, 1950) fue un encargo de la Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional de México que, orgullosa de ser el conjunto sinfónico más antiguo en el panorama cultural de la Ciudad de México, enlaza felizmente música sinfónica y universidad. La obra es una composición para orquesta cargada de colores y plena de pasión. En ella encontramos dos de los amores del compositor: su hija Lily, a quien la obra está dedicada, y la ciudad de Veracruz, de la que Márquez declara que se enamoró en 1990, precisamente a través del danzón, baile de salón que los veracruzanos practican con devoción y que vivió su edad de oro en la década de 1940, como derivado del original cubano. Pero la música también se nutre de un interés social porque, como señala el autor, “este danzón lo escribo durante enero y febrero de 1994, meses del levantamiento zapatista que habría de inquietar mi ánimo hacia una nueva justicia para los pueblos indígenas”

 

Músico curioso y polifacético, Márquez toca el trombón, la tuba, el piano y el violín y sus primeras lecciones llegaron, como él mismo declara, a través de la escucha de “valses, chotises y polkas que interpretaba el cuarteto de mi padre, violinista, mariachi y carpintero", en el que también participaba su abuelo.  Este universo familiar se amplió y el autodidactismo dio paso a una formación sólida que llevó al compositor hasta París, destino soñado por tantos artistas americanos –no sólo en el ámbito de la música. Estas circunstancias dotan a su lenguaje de un impacto sensorial y estético inmediato y, al mismo tiempo, derivan en un manejo experto del oficio que llena de color el escenario y el patio de butacas, de calor.

 

La opulencia del material sonoro tiene, además de la amplia paleta tímbrica, una clara fuente: la rítmica, tanto en lo que se refiere a las fórmulas breves de acentos sincopados, como al manejo del tempo que, en su flexibilidad, se comprime en vertiginosas aceleracioneso se sosiega en retardos apaciguadores, que alargan los sonidos y nos hechizan.

Esta deliciosa pieza sinfónica, una de las más programadas del repertorio mexicano por las orquestas de todo el mundo, sintetiza con eficacia y elegancia lo mejor de dos mundos sonoros: el de la tradición popular y el de la creación académica. Es fresca y artesana; espontánea y cincelada. Una paradoja para saborear, con especial deleite en los solos: de clarinete, oboe, piano, violín, trompeta…

 

Y en el epicentro de la tarde, la música de Samuel Barber (Pensilvania, 1910 – Nueva York, 1981), compositor romántico tardío que impregnó su obra de lirismo y refinamiento. Sus estudios de canto y su devoción por la voz humana, dirigieron su inspiración e inclinaron su escritura hacia la exaltación de la melodía, haciendo cantar a los instrumentos en la mayor parte de sus composiciones.

 

El hecho de no abandonar nunca la tonalidad -aun cuando la enriquezca con algunas disonancias-, su discurso de fraseo largo y su orquestación ciertamente delicada, dotan a su música de un matiz poético e incluso elegiaco.

 

En la mayoría de los conciertos para violín, la sensibilidad y el virtuosismo encuentran un equilibrio perfecto, que hace que nuestros oídos pivoten entre la emotividad y la admiración hacia el intérprete. En el Concierto para violín y orquesta Op 14 de Barber, lirismo y acrobacia están claramente separados. El origen de esta desproporción parece hallarse en el hecho de que la obra proviene del encargo de un hombre de negocios norteamericano (ya se sabe, las consecuencias del mecenazgo), con vistas a que fuera estrenada por su hijo adoptivo, un joven prodigio que al leer los dos primeros movimientos, con su gran carga sensible, concluyó que no eran satisfactorios para el lucimiento de sus habilidades. Barber prometió compensar esta ausencia de espectáculo en la escritura del tercer movimiento y lo hizo de tal modo que el joven intérprete decidió que el concierto era intocable. La versión definitiva es de 1948 y en ella se mantiene el carácter primigenio de los movimientos. El primero, Allegro, se inicia con un tema cantabile que, aun dominando la partitura, cede un digno espacio a una segunda idea de sabor algo más rústico. Ambas se mueven por todos los colores instrumentales, con especial protagonismo del viento madera (a la sombra, desde luego, del cálido solista).

 

El Andante que sigue se inicia con una tenue introducción, sobre la que enseguida destaca el canto dulce del oboe. El protagonismo se traslada al violoncello, clarinete, violines y trompa, antes de que el solista haga oír su voz. En la zona central, el discurso se agita dominado por el timbre principal. El sosiego retorna con el tema primero en una atmósfera que, por momentos, fluctúa entre lo épico y lo trágico.

 

Y los timbales abren, en el Presto in moto perpetuo, una puerta por la que irrumpe serpenteante e infatigable, el solista, apoyando su discurso en los acentos y ritmos cruzados de una orquesta con la que consigue, ahora sí, que el sonido se convierta en pirueta.

 

Y tras invitarnos a escuchar con los pies y a envolvernos en poesía, el programa de hoy nos acerca a la tragedia histórica, a través de la Suite de La noche de los Mayas de Silvestre Revueltas (Santiago Papasquiaro, México, 1899 – Ciudad de México, 1940), música que el compositor escribió como banda sonora de la película del mismo nombre que su compatriota, el cineasta Chano Urueta, realizó en 1939. La versión que hoy escuchamos es un arreglo realizado en 1960 por José Ives Limantour, también director de orquesta y a quien tal vez algunas personas que asisten hoy a la velada, vieron dirigir en esta ciudad a la entonces llamada Orquesta Municipal de Bilbao, de la que fue director titular entre 1953 y 1957. Con una técnica orquestal efectista y de alta calidad, se persigue la escenificación en la sala de conciertos de un ritual maya que requiere la participación de un número inusual de percusionistas en una orquesta sinfónica, dando como resultado una música de corte paisajista, que ilustra ricamente escenas folclóricas y evoca el pasado prehispánico. Lo étnico atrae y lo primitivo zarandea nuestros oídos en la narración de una trágica historia de amores imposibles, cuyas consecuencias se enmarañan en el vigor insondable de la selva.

 

En un poblado maya, un muchacho se enamora de la hija del rey, pero un hombre blanco llega al lugar y seduce a la joven. La relación entre ellos provoca la escasez de lluvia y por tal motivo la mujer es sometida al juicio de los dioses, posteriormente azotada y condenada al martirio. El joven nativo va en busca del hombre blanco y lo mata, acarreando su cuerpo al lugar donde se lleva a cabo la ceremonia del sacrificio. La muchacha, al ver el cadáver de su amado, se arroja al vacío.

 

La suite consta de cuatro movimientos y se balancea entre la emoción, el dramatismo descriptivo y el espectáculo sonoro. Comienza evocando la grandeza de los paisajes precolombinos y la majestad del pueblo indígena, en Noche de los Mayas, donde se construye el discurso a partir de un motivo elemental, sugiriendo un idioma del pasado. En laNoche de jaranas que sigue, el impulso rítmico espolvorea de notas, acentos y colores incisivos el patio de butacas; pero la frescura se adormece en el tercer movimiento, Noche de Yucatán, y el aire se llena de amores contrariados y malos presagios. La venganza y la tragedia se consuman al final de la obra y la música explota en la Noche de encantamiento, repleta de disonancias y ritmos salvajes que nos traen a la memoria la Danza del Sacrificio de La consagración de Stravinsky, trasladada a otras latitudes. El motivo con el que la Noche se iniciaba, reaparece cerrando este asombroso y selvático frenesí, que se consume en la inmolación final. 

 

Déjense cautivar por el color de la música transoceánica y disfruten.

 

El violinista estadounidense de origen taiwanés Paul Huang, destinatario en 2015 de la prestigiosa beca Avery Fisher, está logrando con rapidez captar la atención por su elocuente ejecución musical, su característico sonido y su virtuosismo natural. A raíz de su debut en el Kennedy Center, el Washington Post proclamó: «Huang es, sin duda, un artista con el talento necesario para desarrollar una importante carrera».

Entre sus próximos compromisos, cabe destacar su debut con la Filarmónica de Luisiana, la Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Seúl, así como sus reapariciones con la Sinfónica de Alabama, la Orquesta Sinfónica Nacional de México y la Orquesta Sinfónica Nacional de Taiwán. Durante la próxima temporada, formará parte del prestigioso programa CMS Two de la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center.

Paul Huang, graduado en la Escuela Juilliard, ganó en 2011 las Audiciones Internacionales de Jóvenes Artistas en Concierto y recibió el Premio de las Artes de la Fundación Cultural Chi-Mei de Taiwán en 2009. Toca un Guarneri del Gesù (Cremona, 1742) que fue propiedad del compositor y violinista Henryk Wieniawski, concedido en préstamo por la Sociedad Stradivari.

 

Graduado por las universidades de Princeton y Harvard, ha recibido el Premio de la Unión Mexicana de Críticos de Música y la Medalla Mozart al mérito musical, concedida por los gobiernos de México y Austria. Su grabación de obras de Korngold con la Orquesta Sinfónica de Minería, para Naxos, fue nominado a un premio Grammy en 2010.