Conciertos
TEMPORADA BOS 1
Concierto de Apertura
A. Berg: Concierto para violín y orquesta “a la memoria de un ángel”
G. Mahler: Sinfonía nº 1, en Re mayor, “Titán”
Guy Braunstein, violín
Yaron Traub, director
FECHAS
Venta de abonos, a partír del 8 de julio.
Venta de entradas, a partir del 15 de septiembre.
Conoce aquí todas las ventajas de ser abonado de la BOS
ÁNGELES Y TITANES
Entre finales del XIX e inicios del XX, en convivencia con los últimos destellos del romanticismo, se desarrollan en Europa una serie de vanguardias que marcan el comienzo de la modernidad musical. Tenemos el impresionismo francés, el futurismo italiano, el primitivismo de Stravinsky y el peso del folclorismo en las regiones del este como muestras de un mapa continental que va tomando distintos colores. Pero vuelve a ser en Viena, como en los tiempos de Haydn, Mozart y Beethoven, donde se afianzan los pilares fundamentales de la nueva música. Ahora, a diferencia de entonces, los avances se centran más en la armonía que en la forma o el estilo. Arnold Schoenberg entiende que la tonalidad lleva tiempo en crisis y decide poner a prueba sus fuerzas con obras como Noche transfigurada, Pelleas und Melisande o los Gurre-Lieder. Tras tensar al máximo los límites del sistema tonal, de puro natural, la armonía tradicional se ve definitivamente superada. Anton Webern dirá de las Piezas para piano op. 11 (1908) que no están en ninguna tonalidad. Eso quiere decir que, en ellas, las relaciones armónicas y melódicas se desarrollan sin tener una base tonal como referencia. Unido a la atonalidad, el expresionismo encuentra su lugar en Schoenberg. Como en la pintura, el expresionismo musical trata de representar con enorme intensidad los conflictos interiores del hombre y se relaciona con una forma de rebeldía en el lenguaje. Dos obras expresionistas bien conocidas son la ópera Erwartung (1909) y el ciclo de canciones Pierrot Lunaire (1912).
Años más tarde, a inicios de los veinte, Schoenberg implanta un sistema nuevo con el que trata de asegurar “la supremacía de la música alemana durante los próximos cien años”. Se trata del dodecafonismo, un método que busca dar el mismo grado de importancia a cada una de las doce notas de la escala cromática. Para ello se establece como base de la composición una serie de esas doce notas dispuestas en cualquier orden. Esas notas se pueden utilizar tanto sucesiva como simultáneamente, pero es condición que ninguna de ellas se repita antes de haber empleado las restantes. Hay distintas posibilidades de presentar la serie: por movimiento directo, por inversión, por retrogradación y por inversión de la retrogradación. De esta forma, aunque parezca sorprendente, la música dodecafónica no va ligada necesariamente a la atonalidad, pues el método no impide per se relacionar la serie con un determinado centro tonal.
En este camino hacia la nueva música Schoenberg no sólo cuenta con importantes apoyos teóricos e intelectuales, sino con la lealtad de dos discípulos extraordinarios. Juntos conforman lo que se ha llamado Segunda Escuela de Viena. Anton Webern apenas se interesa por el expresionismo y termina integrando la estructura serial en la forma, de manera que para muchos de sus contemporáneos sus obras son el resultado de ejercicios puramente intelectuales. Alban Berg, en cambio, renueva el lirismo del pasado y compone obras de gran violencia expresiva, como es su ópera Wozzeck (1922), cumbre del expresionismo y “el drama musical más antinazi imaginable”, en palabras de Stravinski. En ella, y este es un elemento distintivo del estilo bergiano, articula sugerencias claramente tonales dentro de un lenguaje que es atonal en esencia. La llegada del dodecafonismo a su música no anula esas implicaciones, por lo que incluso en sus últimas obras puede rastrearse la huella de la armonía tradicional.
Una de ellas es el Concierto para violín y orquesta “A la memoria de un ángel”, un encargo del violinista norteamericano Louis Krasner. La petición le llega a Berg mientras escribe su segunda ópera, Lulú, en la que emplea la técnica dodecafónica de manera bastante estricta. Inicialmente no le interesa demasiado la idea del concierto, pues piensa que Krasner quiere una obra de virtuoso, “y, como sabes, ese no es mi tipo de música”. Pero las conversaciones avanzan y el violinista acaba convenciendo al compositor del reto que supone escribir un concierto que pueda ser cerebral y emotivo al mismo tiempo. No hay que olvidar, además, que estamos en la Alemania de 1935 y que la música del compositor sufre la censura del régimen nazi, así que las condiciones no son nada favorables para una nueva ópera.
Berg no ha escrito ni una sola nota del concierto cuando recibe la noticia de la muerte a los dieciocho años de Manon Gropius, hija de Alma Mahler y de su segundo marido. El compositor, que adoraba a la joven, pregunta a Alma si puede dedicar la obra a su memoria, “a la memoria de un ángel”. Evidentemente el tono del concierto viene dado por el fatal suceso y la severidad que puede requerir el método dodecafónico se suaviza de manera considerable. Es más, la serie básica está planteada de tal forma que no se puedan evitar las implicaciones tonales, pues favorece la alternancia de tríadas mayores y menores. Esa gran habilidad para llevar la técnica al terreno expresivo dota a la música de un lirismo muy intenso que vela la enorme complejidad que lleva detrás.
Por otra parte, estamos ante una obra que aspira a la claridad de texturas y a una cierta simetría formal: el primer movimiento transita de un Andante a un Allegretto, mientras que el segundo parte de un Allegro y finaliza en un Adagio. Se ha sugerido que el primer movimiento puede retratar a Manon (tierna y encantadora, pero también alegre) y que en el segundo, de acento más expresionista, se desata el drama para desenlazar en una atmósfera etérea y profundamente elegiaca. Cobra pleno sentido la idea del contraste entre luz y sombras, entre paz y angustia, entre vida y muerte. En uno de los momentos más líricos del movimiento inicial Berg cita una canción popular de Carintia y, cercano el final del concierto, incorpora un coral luterano armonizado por Bach, “Es ist genug!” (“Ya es suficiente”), cuyas primeras notas, no por casualidad, coinciden con las cuatro últimas de la serie.
Berg termina el concierto en el verano de 1935, pero no llega a verlo estrenado, pues muere en diciembre de ese mismo año a causa de una septicemia provocada, se dice, por una picadura de abeja. Se organiza el estreno en el Palau de Barcelona dentro del Festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea. Webern se hace cargo de los primeros ensayos pero, al no verse capaz, es finalmente Hermann Scherchen quien dirige el estreno de la obra junto a Krasner. Entonces se ve en ella, más que una elegía por Manon, un réquiem por el compositor y por la enorme personalidad musical que se va con él.
Puede parecer relativamente fácil relacionar el Concierto para violín de Berg con el sinfonismo de Mahler, pues su influencia en la música de los tres compositores de la Segunda Escuela de Viena ha sido estudiada hasta la saciedad. Admiran su rebeldía ante las normas de la vieja tonalidad, pero también la “inigualable objetividad con que escribe lo que es única y absolutamente necesario” y el poder que tiene su música para que “los acontecimientos alcancen el poder de hablar por sí mismos” (Schoenberg). En la música de Berg resuena con frecuencia una voluptuosidad típicamente mahleriana, pero es una voluptuosidad que se orienta hacia la simplicidad, mientras que en Mahler lo hace hacia el maximalismo, y lo hace desde la enorme Primera sinfonía, “Titán”, que con el tiempo será superada en grandeza, desde luego, pero eso es algo que entonces no sabe nadie. Para Bruno Walter la sinfonía tiene “por su exuberancia emocional, por la audacia incondicional e inconsciente de su novedad en la expresión y por su riqueza imaginativa, la fuerza única de una obra maestra de juventud”. Esa espontaneidad es inevitable en un compositor que, entre 1884 y 1889, tiene aún pocas piezas a sus espaldas. Entre ellas destacan los cuatro Lieder eines fahrenden Gesellen (“Canciones de un camarada errante”), que en buena medida servirán de base a la nueva sinfonía.
Mahler tiene un programa más o menos detallado para esta primera sinfonía, a la manera de un poema sinfónico, pero lo acaba suprimiendo. Así y todo, la idea del Titán (recogida de un texto de Jean Paul) parece implicar un cierto recorrido vital y una tensión constante entre luz y oscuridad. El movimiento inicial, sobre la cuerda suspendida, se abre con una llamada de la naturaleza en la que se escuchan el canto del cuco, lejanas fanfarrias y una melodía (tomada del lied “Ging Heute morgen ubers Feld”) plácida y de aire pastoral. La ira, la vehemencia y las fuerzas del destino se baten a lo largo del movimiento. El segundo enfrenta dos universos opuestos: un Länder (vigoroso, enérgico) como vals rural austriaco y una sección intermedia, “a modo de Scherzo”, de espíritu mucho más urbano.
Pese a los elementos macabros y paródicos del tercer movimiento, que en origen lleva el título de “Marcha fúnebre al estilo de Callot”, y pese a sus grotescas melodías, la música avanza con un halo de patetismo. Como un remanso de paz, la parte central se abre a la poesía. Las tensiones se liberan definitivamente en el titánico movimiento final, que arranca con una energía descomunal y se desarrolla con una precipitación de acontecimientos marcada por reiteradas miradas hacia atrás y una nueva lucha de poderes que acaba en una frenética celebración de la vida. Es este final el que más sorprende y desconcierta a los contemporáneos del compositor. A Eduard Hanslick, el crítico vienés más influyente de la época, le parece “horroroso”. Pero el tiempo, como tantas veces, demostrará que las posibilidades que se abren con esta nueva sinfonía acabarán llegando aún más allá de lo que entonces nadie puede imaginar.
Asier Vallejo Ugarte
La Primera de Mahler “Titan”
Concierto de Apertura
Primer concierto de Temporada (9 y 10 de octubre de 2014)
Comenzamos nuestro primer programa de la temporada 2014-2015 con la interpretación del Concierto para Violín y Orquesta de Alban Berg. Interpretamos por primera vez este concierto los días 9 y 10 de mayo de 1985 en el Teatro Campos Elíseos bajo la dirección de Enrique García Asensio y con el violinista Rony Rogoff. Desde entonces tan sólo lo hemos podido escuchar en otra ocasión los días 17 y 18 de febrero de 2000 bajo la dirección de Juanjo Mena y con la violinista Tasmin Little. Para su interpretación emplearemos la edición crítica preparada por Douglas Jarman para Universal Edition (http://www.universaledition.com).
En la segunda parte tendremos la oportunidad de disfrutar de la Sinfonía nº 1 en Re Mayor “Titán” de Gustav Mahler. Interpretamos por primera vez la misma el 6 de octubre de 1961 en el Teatro Buenos Aires bajo la dirección de Rafael Frühbeck de Burgos. Desde entonces la hemos escuchado en otras 8 ocasiones siendo la última los días 7 y 8 de octubre de 2010 en el Palacio Euskalduna bajo la dirección de Günter Neuhold. Para su interpretación emplearemos la edición crítica preparada por Karl Heinz Füssl y Reinhold Kubik para la Sociedad Internacional Gustav Mahler y publicado por Universal Edition (http://www.universaledition.com)
A continuación les recomendamos una serie de grabaciones comerciales de las obras de nuestro programa. Todas ellas pueden adquirirse en la Fnac o escucharse a través de internet siguiendo los enlaces señalados:
A. Berg: Concierto para Violín y Orquesta
Daniel Hope – Paul Watkins – BBC Symphony Orchestra
Release date: 25/09/2012
Label: Warner Classics
G. Mahler: Sinfonía nº 1 en Re Mayor “Titán”
Hermann Scherchen – Royal Philharmonic Orchestra
Release date: 18/09/2001
Label: Deutsche Grammophon
Alan Gilbert – New York Philharmonic Orchestra
Release date: 10/06/2010
Label: New York Philharmonic
Agenda de eventos
Eventos relacionados
Temporada 2025-2026
29 - 30
Ene
2026
Maestro de maestros
Lugar: Palacio Euskalduna,Bilbao
Joaquín Achúcarro, además de su brillante carrera internacional, ha desarrollado una intensa actividad pedagógica, sobre todo en su cátedra en Dallas, de la que han surgido excelentes pianistas. Rendimos homenaje a esta faceta del maestro en la figura de su alumno y gran concertista Alessio Bax, ante ese tótem del repertorio que es el primero de Brahms. Stravinsky, una de las especialidades de Erik Nielsen y el recuerdo a nuestro Arriaga en su bicentenario completan el programa.
J. C. Arriaga
Obertura Op. 20
J. Brahms
Concierto nº 1 para piano y orquesta en re menor Op. 15
I. Stravinsky
El pájaro de fuego, Suite
Alessio Bax, piano
Erik Nielsen, director
Temporada 2025-2026
05 - 06
Feb
2026
La Quinta de Tchaikovsky
Lugar: Palacio Euskalduna,Bilbao
Cuando Tchaikovsky presentó al mundo su quinta sinfonía, ya era considerado el primer compositor de Rusia, un país que se tomaba muy en serio la música. Y en ella cumplió el objetivo de los grandes: sonar universal sin renunciar a sus raíces nacionales. Shostakovich, por su parte, se dió una tregua para regalar un precioso concierto, ligero, elegiaco y ensoñador, a su hijo Maxim. Para abrir, un joven Ligeti rindiendo homenaje al folklore de su Rumanía natal.
G. Ligeti
Concert Românesc
D. Shostakovich
Concierto nº 2 para piano y orquesta en Fa Mayor Op. 102
P. I. Tchaikovsky
Sinfonía nº 5 en mi menor Op. 64
Simon Trpčeski, piano
Pablo González, director
Temporada 2025-2026
12 - 13
Feb
2026
Borrani y la Concertante de Mozart
Lugar: Palacio Euskalduna,Bilbao
Cada visita de Lorenza Borrani es sinónimo de riesgo y emoción. En esta ocasión alternará como violinista en la maravillosa Sinfonía concertante de Mozart, junto a nuestra solista de viola Cristina Blanco, y como directora frente a la Sinfonía nº 4, apodada “Trágica” por el propio Schubert. Una obra que, como mucha de su música orquestal, el compositor no llegó a escuchar estrenada en vida.
W. A. Mozart
Sinfonía concertante para violín, viola, y orquesta en Mi bemol Mayor K.364
F. Schubert
Sinfonía nº 4 en do menor D. 417 «Trágica»
Cristina Blanco, viola
Lorenza Borrani, violín-directora
Temporada 2025-2026
26 - 27
Feb
2026
Madre Tierra, con Fazil Say
Lugar: Palacio Euskalduna,Bilbao
En años anteriores hemos disfrutado de la figura del músico turco Fazil Say, tanto en su faceta de compositor como de pianista. Con motivo del estreno de Mother Earth, su concierto para piano, tendremos el privilegio de escucharle ante su propia creación. Al frente de la orquesta, su compatriota Nil Venditti, gran conocedora de su música, quien completará el programa con la célebre “Séptima” de Beethoven.
F. Say
Grand Bazaar Op.65
F. Say
Mother Earth, Concierto para piano y orquesta
L. van Beethoven
Sinfonía nº 7 en La Mayor Op. 92
Fazil Say, piano
Nil Venditti, directora