Tan rotundo fue el escándalo del estreno de la Consagración de la primavera, en mayo de 1913, que buena parte del resto de la obra de Igor Stravinski no ha terminado de desprenderse de la sombra de aquel tremendo movimiento sísmico. Y sin embargo en muy pocos compositores se condensa de forma tan diversa el desarrollo, el sentido y el pensamiento musical de una época, desde los inicios barbáricos (de los que la Consagración es uno de los exponentes máximos) hasta su aportación al dodecafonismo en el periodo final de su vida, con larga parada en una etapa neoclásica marcada a fuego por una postura radicalmente antirromántica. El Scherzo fantastique contempla desde la orilla el océano inmenso que el compositor tiene delante en una fecha tan temprana como 1908: puede tratarse de una obra pre-stravinskiana en muchos aspectos, pero su música tiene raíces, tiene trascendencia y tiene consecuencias.

Stravinski da el número 1 de opus a una sinfonía que escribe entre 1906 y 1907 bajo el control de Rimski, por lo que se cuida mucho de guardar las formas y de no cuestionar la ortodoxia de la sinfonía romántica. Pese a que Stravinski admira a Rimski como maestro, no comparte su conservadurismo y sabe perfectamente que su siguiente obra (El fauno y la pastorcilla) puede sonar a Chaikovski o a Wagner, pero nunca a Rimski. En el Scherzo fantastique, op. 3, da un nuevo paso adelante y encuentra un color orquestal que parece inspirado en Debussy, consciente en su interior de las distancias que su viejo maestro suele marcar con la música del compositor francés. La nueva obra, compuesta entre junio de 1907 y marzo de 1908, parece estar influida por La vida de las abejas, de Maurice Mæterlinck, aunque con el tiempo Stravinski desmentirá la existencia de un programa y se limitará a decir que contiene música pura. La espectacular escritura orquestal, enriquecida por la incorporación la celesta, el címbalo y las arpas, se adelanta a la fantasía y al mundo mágico de varias obras que vendrán enseguida, como Fuegos artificiales, El ruiseñor o El pájaro de fuego, obras todas ellas con una idea inmanente de vuelo. Pero Stravinski vuelve a negar a Rimski cuando asegura que el Scherzo, donde la música vuela de manera más ágil y etérea, no debe tanto al famoso moscardón de su maestro como a las hadas y a los duendes del joven Mendelssohn.

El Scherzo se estrena en San Petersburgo, junto con los Fuegos artificiales, el 6 de febrero de 1909, dentro de un ciclo de conciertos ofrecido por Alexander Siloti. Rimski, que conoce y aplaude el manuscrito, fallece unos meses antes y no llega a escuchar la obra. Pero sí asiste al estreno, maravillado, Sergei Diaghilev, un empresario que acaba de tener un éxito enorme en la Ópera de París con un montaje de Boris Godunov y que busca compositores jóvenes de talento para aterrizar en la capital francesa con su compañía de Ballets Russes. Su intención es presentar el año siguiente, con coreografías de Michel Fokine, el Carnaval de Schumann, Scheherezade de Rimski y una nueva obra sobre la leyenda rusa del pájaro de fuego. Esa leyenda acaba llevando música de Stravinski y con ella el joven compositor, que recibe el encargo cuando tiene veintisiete años, inaugura una etapa breve pero totalmente decisiva y determinante en su vida.

Stravinski encuentra en París una vida musical muy dinámica y un paisaje cultural ampliamente dominado por la influencia de los impresionistas. Entre los compositores que viven el ambiente de los Ballets Russes está Manuel de Falla, que lleva en la ciudad desde 1907, y ambos tienen un primer encuentro enseguida, durante el periodo de Petrushka. “Me gustó de inmediato y fue gustándome aún más a medida que lo iba a conociendo”, recordará Stravinski. Falla, uno de los asistentes al escándalo de la Consagración y uno de los primerísimos defensores de la obra, reparte sus principales esfuerzos entre el ansiado estreno de La vida breve y la composición de tres nocturnos para piano y orquesta (las futuras Noches en los jardines de España) que asimilan un color auténticamente francés desde la recreación de un ambiente propio del cante jondo andaluz. El compositor, que sorprendentemente aún no ha estado en Granada, conoce los Jardins d´Espanya de Santiago Rusiñol y estimula su imaginación leyendo libros y poemas relacionados con La Alhambra. En su entorno la composición de los tres nocturnos comienza a despertar expectación y Diaghilev trata de convencerle de que sirvan de base y sustento a un nuevo ballet, pero Falla no lo ve del todo claro y acaba desechando la idea.

El estallido de la Gran Guerra fuerza su regreso a España y a inicios de 1915 el compositor realiza junto a María Martínez Sierra un viaje por Andalucía en el que visita, al fin, Granada. Pleno de inspiración, se traslada a Barcelona y en pocos meses termina las Noches, que tienen por subtítulo Impresiones sinfónicas para piano y orquesta. Aunque están dedicadas al pianista catalán Ricardo Viñes, uno de sus mejores amigos durante su etapa parisina, las estrena José Cubiles, en el Teatro Real de Madrid en abril de 1916, con dirección de Enrique Fernández Arbós. Durante los siguientes meses el propio Falla interpreta la obra como solista y en un concierto celebrado en el Palacio de Carlos V de Granada cuenta entre el público con un entusiasmado Diaghilev. El empresario volverá a insistir en llevar a escena la obra, pero el músico se decantará por convertir su pantomima El Corregidor y la Molinera en un gran ballet, motivando la composición de El sombrero de tres picos.

Dice Falla que “la música de estos nocturnos no pretende ser descriptiva, sino simplemente expresiva, y que algo más que rumores de fiestas y de danzas ha inspirado estas evocaciones sonoras, en las que el dolor y el misterio tienen también su parte”. Y lo primero que llama la atención en las Noches es precisamente esa búsqueda de una atmósfera misteriosa, sensual, extremadamente sutil, en la que el piano se adentra con un motivo ascendente que, recreando los juegos de agua en los jardines nazaríes del Generalife, parece evocar antecedentes presentes en Liszt (Les jeux d’eaux à la Villa d’Este) y en Ravel (Jeux d’eau). Pero el solista, pese a enfrentarse a una tensión rítmica continua y a un escritura pianística muy comprometida, no tiene en ningún momento un papel heroico, ya que se ve admirablemente integrado en el entramado orquestal, desde donde enriquece el valor tímbrico de las perfumadas melodías y armonías fallescas. Lo hace en la Danza lejana y lo hace en el tercer nocturno, En los jardines de la sierra de Córdoba, cuyo clima festivo presenta con lo que parece un enérgico taconeo. Al fin, el canto de una fabulosa copla acaba devolviendo a la música su esencia misteriosa y doliente. 

Frente a este universo de la textura, de la resonancia poética, del color nacional estilizado y unido a una vocación impresionista, el ardiente sinfonismo de Piotr Ilich Chaikovski rememora uno de los estadios previos a la llegada del barbarismo stravinskiano. “Chaikovski fue el héroe de mi infancia”, reconocerá el viejo Stravinski. La Quinta se estrena en San Petersburgo en 1888, veinte años exactos antes de la composición del Scherzo fantastique, al que apunta directamente en cuanto a energía, frescura y poderío orquestal. Pero esta Quinta, además de mostrar la asombrosa maestría de Chaikovski como orquestador, cobra valor adicional en la medida en que se alimenta a partes iguales de su completo conocimiento de las formas clásicas y de su intemperancia emocional, que puede verse plasmada en unas brevísimas anotaciones manuscritas encontradas entre sus papeles: “Introducción: resignación total ante el destino o, lo que es lo mismo, ante las decisiones imprevisibles de la Providencia (…) ¿He de abrazar sin duda mis creencias, hallar el refugio en la Fe?”.

Como en el caso de la Cuarta, tantea desde lejos la idea de un viaje de las sombras hacia la luz, de la persistencia de un destino que vuelve una y otra vez en la forma del motto anunciado por el clarinete en la introducción, desarrollando profusamente el método cíclico. En el formidable Allegro con anima inmediato Chaikovski presenta hasta tres temas diferentes, hilados siempre bajo los órdenes de la forma sonata y en el ámbito de una grandeza sinfónica que es auténtica marca de la casa. El motto inicial reaparece antes de la coda del Andante cantabile, una suerte de romanza sin palabras de maravilloso lirismo y recogimiento, como coda del elegante Valse, evidencia clara de su afinidad con el baile, y en el Andante maestoso del Finale como punto de partida para una virulenta suma de fuerzas impregnada de un sentido triunfalista. Este final se discute y es conflictivo prácticamente desde los primeros meses de vida de la sinfonía, hasta el punto de que después de una interpretación de la obra en Hamburgo, a la que asiste Brahms, Chaikovski escribe a su hermano Modest que al alemán “no le gustó el último movimiento, y lo peor es que yo también lo encuentro odioso”. Pero para entonces se encuentra ya trabajando en su siguiente obra, La bella durmiente, un ballet que (vueltas da la vida) unos cuantos años más tarde compartirá con piezas de Falla y Stravinski un sitio en los carteles de los Ballets Russes de Diaghilev.

En 2010 grabó un DVD/Blu-Ray con la Sinfónica de Londres y Sir Colin Davis. Y en el 2011  “Falla & Friends”, interpretando las Noches en los Jardines de España de Falla junto a la Filarmonica de Berlín y Sir Simon Rattle.

La temporada 2014.15 fue Artista en residencia en el Teatro Sao Carlos de Lisboa, tocó con la ORTVE en temporada y en el Festival de Granada; en el Teatro Real de Madrid en dos ocasiones;  junto a la Orquesta de Euskadi y Jun Markl, y la otra junto a la OSM y Pablo Heras-Casado.

Achúcarro mantiene una actividad que le ha llevado a 60 países. Ha actuado con más de 200 orquestas y más de 350 directores  como Claudio Abbado, Riccardo Chailly, Sir Colin Davis, Zubin Mehta, Sir Yehudi Menuhin, Seiji Ozawa y Simon Rattle.

En el 2000 fue nombrado Artist for Peace por la UNESCO. Ha recibido  La Medalla de Oro a las Bellas Artes, el Premio Nacional de Música,  la Gran Cruz del Mérito Civil por el Rey Juan Carlos. En el 2004 le nombraron Hijo Predilecto de la Villa de Bilbao, su ciudad natal.  

En 2008, se creó La Fundación JOAQUIN ACHUCARRO en Dallas para perpetuar su legado artístico y docente”  ayudando a jóvenes pianistas.