Conciertos
TEMPORADA BOS 3
A. Dvorák: Concierto para piano y orquesta en Sol menor, op. 33 (36’)
T. Marco: Espacio de espejo
S. Prokofiev: Sinfonía nº 1 “Clásica” (17’)
Jan Simon, piano
Anne Manson
FECHAS
- 15 de noviembre de 2012 Palacio Euskalduna 20:00 h.
- 16 de noviembre de 2012 Palacio Euskalduna 20:00 h.
Venta de abonos, a partír del 24 de junio.
Venta de entradas, a partir del 16 de septiembre.
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Homenajes
Muchas son las obras que a lo largo de la historia de la música se han compuesto en homenaje a otros compositores o intérpretes. Este es el caso de las tres partituras que escucharemos esta noche. El Concierto para piano fue escrito en agradecimiento al pianista checo Karel Slavkovský -que lo estrenó en Praga dos años más tarde- como exitoso embajador de la música de cámara con piano de Dvorák. Tomás Marco compuso Espacio de espejo por encargo de Radio France para conmemorar el 60 cumpleaños de Cristóbal Halffter, que dirigió el estreno el 3 de octubre de 1990. Por su parte, Prokófiev ideó su Primera Sinfonía guiado por la admiración que, desde sus años de estudiante de composición, sentía por la música de Haydn y dedicó la partitura a su gran amigo, el compositor y crítico de música, Boris Asafiev.
El primer concierto que Dvorák compuso para orquesta e instrumento solista fue su Concierto para piano. Escrito entre agosto y septiembre de 1876 – el mismo año que el Cuarteto de cuerda nº8 en mi mayor y el Stabat Mater – nunca alcanzó un éxito notable. De hecho, a diferencia de sus otros dos conciertos: el de violín en la menor y el de violonchelo en si menor, el Concierto para piano no suele formar parte del repertorio más habitual de los auditorios. A pesar de ser una partitura muy tierna, muy romántica, llena de la inspiración melódica tan propia de Dvorák, la crítica y el público de su época esperaban una música en la que el solista demostrara su impresionante habilidad a la manera de las obras para piano más exitosas de su época (en aquel momento Liszt estaba inmerso en el tercer cuaderno de sus Années de pèlerinage y el año anterior Tchaikovsky había compuesto su Concierto para piano nº1).
Sin embargo, Dvorák había decidido componer en un estilo más próximo a los conciertos para piano de Beethoven, en los que el solista ejerce un papel más discreto, sin alardes de virtuosismo. Escrito en tres movimientos y en una tonalidad menor -al igual que sus otros dos conciertos para solista y orquesta- el Concierto para piano en sol menor comienza con un extenso Allegro agitato, de reminiscencias claramente beethovenianas. Tras una amplia introducción orquestal, en la que se presentan los dos temas principales, hace su aparición el piano que a lo largo de todo el movimiento mantendrá un diálogo con la orquesta hasta alcanzar el climax en la cadencia. Tras el enérgico primer movimiento, el segundo, Andante sostenuto, transmite un ambiente de ensueño. El delicado tema principal, introducido por la cuerda y la trompa, es recogido dulcemente por el piano. Tras una sección intermedia en la que la música parece despertar de sus sueños, la partitura regresa al espíritu onírico inicial. El tercer movimiento, Allegro con fuoco, muy melódico y bailable,finaliza de una forma alegre y temperamental en la que Dvorák da buena muestra del folklore de su Chequia natal.
Tomás Marco es uno de los compositores actuales más representativos de nuestro país. Formado con maestros como Maderna, Boulez, Stockhausen, Ligeti o Adorno llegó a ser ayudante de Stockhausen en 1967. En 2002 recibió el Premio Nacional de Música, galardón que se unió a la larga lista de distinciones que ha recibido a lo largo de su carrera por parte de instituciones tan prestigiosas como: la Fundación holandesa Gaudeamus, la VI Bienal de París, el Centenario de Casals, el Arpa de Oro o la Tribuna de Compositores de la UNESCO.
Espacio de espejo fue compuesto en 1989-90. Según las palabras de Marco:“La composición usa una orquesta de proporciones reducidas y con las prestaciones solísticas, tal como era la formación que se me había sugerido y se desarrolla como un trabajo eminentemente abstracto y formal en el que la expresión debe dimanar de la propia forma. Ésta utiliza una buena cantidad de procesos especulares, y de simetrías de diverso tipo, tendentes a crear un espacio propia. La espacialidad no se basa tanto en la focalización del sonido según donde se coloquen los instrumentos – aunque hay algunas preferencias sobre el particular- sino de un empleo de la sensación temporal de la música tendente a crear un espacio propio donde habitar y habitable por el oyente. En algunos momentos, los timbres se acercan a ciertos procedimientos de la música electroacústica y en otros se emplean con toda su pureza individual. Espejos tímbricos que se miran en espejos formales para crear un espacio multiespecular. Espejo también de mi propia concepción de la música y de una referencia lejana al compositor en cuyo honor surge. Juego dialéctico de relaciones y referencias que no tienen por qué individualizarse conscientemente sino que sirven de motivación a una música que debería hablar por sí misma”.
El estallido de la revolución rusa en febrero de 1917, no alteró significativamente la vida musical de Petrogrado. Prokófiev, que tenía veinticinco años, protagonizó una fecunda y variada etapa creativa ese año y escribió algunas obras importantes de su catálogo como la satírica ópera El jugador, el Concierto para violín nº1 en re mayor, Visiones fugitivas para piano y su Primera Sinfonía sobre la que escribía en su Autobiografía: “Pasé el verano de 1917 en completa soledad en los alrededores de Petrogrado. Leí a Kant y trabajé mucho. No había trasladado mi piano al campo a propósito porque quería demostrar que el material temático que surge sin un piano es mejor… Esta idea hizo que se me ocurriera componer una obra sinfónica completa sin piano. Escrita de esta manera, los colores orquestales serían necesariamente claros y limpios. Yo ya tenía el plan de componer una sinfonía que se originara en el estilo de Haydn -desde mis estudios en las clases de Tcherepnin, la técnica de Haydn se había convertido en algo especialmente atractivo para mí – y con este planteamiento tan íntimo fue mucho más fácil sumergirme sin un piano en “la peligrosa corriente”. Me parecía que si él hubiera vivido en nuestra época, aun manteniendo su estilo compositivo, se habría apropiado de algo del estilo moderno. Esa era la sinfonía que quería componer: una sinfonía a la manera clásica. Cuando comenzó a tomar forma real la denominé: “Sinfonía Clásica”; primero, porque era la manera más sencilla de denominarla; segundo, y sin fanfarronerías, para provocar un nido de avispas; y, finalmente, en la esperanza de que si la Sinfonía podía probar por sí misma que era realmente “clásica” me beneficiaría considerablemente.”
Todos sus pronósticos se cumplieron. Prokófiev, considerado un compositor de vanguardia difícil de entender, sorprendió con esta obra con la que consiguió adquirir un reconocimiento internacional tras su estreno, dirigido por el propio compositor en San Petersburgo, el 21 de abril de 1918. Sin embargo, siete años después, en una carta que escribió a Boris Asafiev, Prokófiev comentaba en su sarcástico estilo: “En general no tengo en mucha estima las obras que como Pulcinella o incluso mi Sinfonía clásica están escritas “bajo la influencia” de otra persona. Desgraciadamente Stravinsky piensa de otra manera; no ve esta situación como la del mono que ve y repite…”
La obra está escrita en cuatro movimientos. El primero, Allegro, describe un triunfal tema principal desarrollado con el mismo protagonismo por todas las secciones de la orquesta. Una amable y sutil melodía, interpretada en el registro más agudo de los violines, comienza y finaliza el Larghetto del segundo movimiento que, en su sección intermedia desarrolla un pizzicato previo a un brillante tutti. El tercero una inspirada Gavotta, Non troppo allegro, fue el primer movimiento de la Sinfonía compuesto por Prokófiev, concretamente en 1916. El finale, el más brillante de todos, demanda una gran agilidad y destreza técnica a la orquesta, mientras transmite un recuerdo de las melodías propias del folklore ruso.
Patricia Sojo
Jan Simon, piano
Comenzó a estudiar piano a la edad de siete años con la ayuda de su padre, el compositor y director Ladislav Simon. Estudió en la Academia de Música de Praga. Después de graduarse, continuó sus estudios musicales en esta misma institución con Ivan Moravec. A continuación, recibió clases de Homero Francesch en Zúrich y de James Tocco en Lübeck.
Ha participado con éxito en varios concursos de música. Fue galardonado en el Concurso Chopin de Mallorca en 1985, en el concurso del Festival Primavera de Praga en 1988, en el Concurso William Kappel (EE.UU.) en 1990, y en el Concurso Reina Isabel de Bruselas en 1991.
Jan Simon ha tocado con frecuencia con orquestas tan notables como la Orquesta Sinfónica de la BBC, la Orquesta Sinfónica de Baltimore, la Orquesta Filarmónica de Israel, la Orquesta Filarmónica Checa, la Orquesta de la Beethovenhalle de Bonn, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Praga, los Solistas de Moscú, la Orquesta Filarmónica Eslovaca, la Philharmonia de Praga, la Orquesta Sinfónica FOK de Praga y muchas otras. Ha trabajado junto con destacados directores tales como Jiří Bělohlávek, Tadeusz Strugala, Vassili Sinaisky, Marc Soustrot, Serge Baudo, Ondrej Lenárd, Libor Pešek, Jakub Hrusa y Gaetano Delogu, entre otros. Sus giras de conciertos le han llevado a la mayoría de países europeos, así como a los Estados Unidos, Canadá, México, Australia, Egipto, Japón, China y Taiwán. Su discografía abarca más de 20 títulos. En 1996 obtuvo el Premio Cannes Classical por la grabación de los Conciertos para piano de Schulhoff (Supraphone) que fue un estreno mundial.
Además de su carrera artística, ostenta el cargo de intendente de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Praga. Desde el año 2012, dirige conjuntos instrumentales, concursos y festivales organizados por Radio Praga.
Anne Manson, directora
La directora norteamericana Anne Manson se distingue por su dinamismo sobre el podio, versatilidad estilística y por su capacidad para trasladar al público el mundo interior del compositor. Directora Musical de la Manitoba Chamber Orchestra desde 2008, ha realizado exitosas giras con su orquesta; bajo su batuta ha adquirido gran prestigio, acercándose al repertorio camerístico y explorando nuevas ideas.
Ha sido invitada a dirigir orquestas a lo largo de todo el mundo, desde la London Philharmonic hasta la Wiener Philharmoniker, Singapore Symphony, Swedish Chamber Orchestra, Ensemble Intercontemporain de París, Leipzig Radio Orchestra, Los Angeles Philharmonic, Royal Scottish National Orchestra, American Composers Orchestra, BBC Scottish Orchestra, además de varias importantes orquestas españolas.
Ha sido especialmente aclamada por su continuo trabajo con el repertorio operístico. Así, Anne Manson ha sido galardonada por el DORA Award canadiense por la ópera de Britten A Midsummer Night’s Dream, máxima distinción del teatro, la danza y la ópera del país. Otras interpretaciones destacadas han sido Vanessa de Barber en la New York City Opera, Cosi fan tutte en la San Francisco Opera, Orphée de Philip Glass en la ópera de Portland, además de otras actuaciones en el Grand Theatre de Génova, Stockholm Royal Opera, etc.
Temporada 2012-2013 de la BOS. Guía de audición
Una visión moderna de lo clásico
Tercer concierto de Temporada (15 y 16 de noviembre de 2012)
Comenzamos nuestro tercer programa de la temporada 2012-2013 con la interpretación, por primera vez en la historia de la BOS, del Concierto para Piano y Orquesta en sol menor Op. 33 de Antonin Dvorak. Emplearemos para su interpretación la edición crítica preparada por Otakar Sourek a partir del manuscrito del compositor para la editorial Edwin F. Kalmus & Co (http://www.efkalmus.com), .
En la segunda parte del concierto podremos escuchar, también por primera vez, la obra Espacio de espejo de Tomás Marco. Compuesta en 1990 por encargo de Radio France y dedicada a Cristobal Halffter en su 60 aniversario, fue estrenada por la Orchestre Nouvelle Philarmonique bajo la dirección de C. Halffter en París, el 3 de octubre de 1990. Emplearemos para su interpretación el material de la editorial EMEC (http://www.seemsa.com)
Finalizará el programa con la interpretación de la Sinfonía nº 1 en Re Mayor Op. 25 “Clásica” de Sergei Prokofiev. Interpretamos por primera vez esta sinfonía el 13 de enero de 1952 bajo la dirección del Maestro J. Arámbarri en el Teatro Buenos Aires. Desde entonces la hemos podido escuchar en otras 23 ocasiones, siendo la última los días 27 y 28 de septiembre de 2001 en el Palacio Euskalduna y bajo la dirección del Maestro J. Mena. Emplearemos para su interpretación el material de la Edition Russe de Musique para Boosey & Hawkes (http://www.boosey.com)
A continuación les recomendamos una serie de grabaciones comerciales de las obras de nuestro programa. Todas ellas pueden adquirirse en la Fnac o escucharse a través de internet siguiendo los enlaces señalados:
A. Dvorak: Concierto para Piano y Orquesta en sol menor Op. 33
Sviatoslav Richter – Carlos Kleiber – Bayerisches Staatsorchester
Release Date: 09/03/1999
EMI Great Recordings of the Century
S. Prokofiev: Sinfonía nº 1 en Re Mayor Op. 25 “Clásica”
Yuri Temirkanov / St. Petersburg PhilharmonicOrchestra
Release Date: 15/04/2003
RCA Victor Red Seal
Agenda de eventos
Eventos relacionados
Temporada 2024-2025
10 - 11
Abr
2025
Nobu y la Sinfonía fantástica
Lugar: Euskalduna Bilbao
El arquetipo del artista romántico es la idea sobre la que gira obsesivamente la Sinfonía fantástica de Berlioz, una obra que fue definida por Bernstein como el primer ejemplo de música psicodélica de la historia, y con la que cerramos nuestro ciclo de Mitos. El otro gran atractivo del programa será el regreso del pianista japonés Nobu, después de su inolvidable primera visita. Esta vez con el Concierto en Sol de Ravel, en el 150 aniversario del compositor.
Tatsuya Shimono, director
Nobuyuki Tsujii, piano
I
MAURICE RAVEL (1875 – 1937)
Pavane pour une infante défunte
Concerto para piano y orquesta en Sol Mayor
I. Allegramente
II. Adagio assai
III. Presto
Nobuyuki Tsujii, piano
II
HECTOR BERLIOZ (1803 – 1869)
Sinfonía fantástica Op. 14
I. Ensueños y pasiones (Largo.Allegro agitato e appassionato assai)
II. El baile (Allegro non troppo)
III. Escena campestre (Adagio)
IV. Marcha al suplicio (Allegretto non troppo)
Dur: 105’ (aprox.)
Temporada 2024-2025
05 - 06
Jun
2025
La Heroica y Zimmermann
Lugar: Euskalduna Bilbao
Cerramos ciclo con uno de los grandes programas de la temporada. Dos monumentos que demandan lo mejor de orquesta, director y solista: el Concierto para violín de Brahms, y la Sinfonía Heroica de Beethoven. Quedarán en las manos de dos músicos de prestigio, el violinista Frank Peter Zimmermann, un buen amigo de la orquesta con una carrera de dos décadas en la cima, y el director alemán Markus Stenz, por primera vez con nosotros.
J. Brahms: Concierto para violín y orquesta en Re Mayor Op. 77
L. van Beethoven: Sinfonía nº 3 en Mi bemol Mayor Op. 55 “Heroica”
Frank Peter Zimmermann, violín
Marcus Stenz, director
Temporada 2024-2025
07
Abr
2025
Cámara 8
Lugar: Euskalduna Bilbao
I
Cuarteto de cuerda BOS
DMITRI SHOSTAKOVICH (1906 – 1975)
Cuarteto nº 3 en Fa Mayor Op. 73
I. Allegretto
II. Moderato con moto
III. Allegro non troppo
IV. Adagio
V. Moderato
David García, violín
Iñigo Grimal, violín
Juan Cuenca, viola
Carolina Bartumeu, violonchelo
II
Quinteto de cuerda BOS
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770 – 1827)
Quinteto en Do Mayor Op. 29
Laura Delgado, violín
Nora Bolinaga, violín
Lander Etxebarria, viola
Juan Cuenca, viola
Carolina Bartumeu, violonchelo
Dur: 80’ (aprox.)
Temporada 2024-2025
30 - 01
May
2025
Mari-Eli
Lugar: Teatro Arriaga
La zarzuela Mari-Eli, de Jesús Guridi, se estrenó en Madrid en abril de 1936 y se representó ya después de la Guerra Civil, en 1941, en Bilbao, dentro de la Temporada Lírica de la Sociedad Coral de Bilbao. Es una obra que nos muestra a un Guridi diferente en cuanto al carácter de la obra, pero muy reconocible por la calidad de su escritura musical. Jesús Mª Arozamena describe a Mari-Eli como «zarzuela euskara con aires de mar, con unas melodías pegadizas y pasajes cómicos, muy del gusto de la época».
Este espectáculo Mari-Eli, producido por el Teatro Arriaga y con la colaboración especial de la Fundación BBK, supone una recuperación musicológica de primer orden, una mirada de hoy a una zarzuela con muchos referentes propios del género, que cobrará una dimensión absolutamente diferente bajo la dirección escénica de Calixto Bieito. La participación de la Sociedad Coral de Bilbao, tan ligada a Guridi, simboliza hoy la vigencia de la transmisión del canto coral y la apuesta del Teatro Arriaga por reivindicarlo y potenciarlo. La recuperación de la partitura original de Guridi ha sido promovida por la Sociedad Coral de Bilbao que ha contado para ello con la colaboración del Gobierno Vasco y de la Diputación Foral de Bizkaia.