Iruzkingilearen eginkizuna diskrezioz betetzea komeni bada ere, eta ohar hauek idazten ditugunok, edozein zalek bezala, ditugun lehentasunak eta maniak agerian utzi gabe; hobe bada ere lehenengo pertsona gehiegi ez erabiltzea eta objektibotasunari eustea, utz iezadazue barrua husten, azken denboraldietan programa askotan egon ondoren dugun konfiantzan oinarritzen baita (badakigu zer gertatzen den konfiantzarekin). Lasaitu hori oso positiboa izango delako ere justifikatzen da, eta, azkenik, aurreko hainbat alditan ere gomendio horiek alde batera utzi ditudalako, programetan agertzen ziren obra batzuek (errezeloak, ezinikusiak eta gorrotoak, hori bai, gorde egin ditut eta horrela izaten jarraituko du) piztu dizkidaten zenbait suhartasun erakusteko.

Kontua da kontzertu honi buruz idazteko enkargua jaso nuenean, gure orkestraren programazioak azkenaldian eman didan poz handienetako bat hartu nuela (eta asko eman dizkit) Ralph Vaughan Williamsen izenarekin topo egin nuenean. Konpositore horri dagokionez, joera eta mirespen handia sentitzen dut duela urte askotatik, hain zuzen ere BOSen abonu-kontzertu batean aurkitu nuenetik, bere sinfonietako baten bidez (ez dut gogoratzen bigarrena zen edo gaur entzungo dugun bosgarren sinfonia bera). Lehen esperientzia hari zor diot gero dendetako apalategietan egile ingeles honen lan grabatuarekin aurkitu ahal izan nituen CD guztiak arakatzea. Ulertzen dut diskoak erostearen kontu hau ez dagoela modan, baina aspalditik ari naiz, eta, gainera, seguruenik zentzugabea izango da, baina erromantiko harroak gara, eta neure burua gutxi horien artean kontatzen dut, formatu fisikoak izaten (eta erosteari, onargarria den bezala) uzteari uko egiten diotenak, baita apal fisikoetan koka daitezkeenak, eta horrela gure musikaz fisikoki inguratuta sentiarazten gaituztenak.

Beraz, bereziki pozik nago Vaughan Williamsen lan hau aurkezteagatik: bere bosgarren sinfonia. Baina paragrafo batzuen barruan izango da, aurretik kontzertuaren lehen zatia beteko duen obrari eskainiko diogulako arreta, data berberetatik (1940) datorrena, baina oso bestelako leku batetik datorrena.

Aram Khatxaturian (1903-1978) obra asko berez aipatu ezin izango genituzkeen musikari horietako bat da, baina entzunez gero, hainbat doinu ezagutuko ditugu. Zorte pixka batekin etorriko zaigu gogora Gayanéh balletaren Sablearen Dantza ospetsua, zineman hainbestetan erabilia (adibidez, Billy Wilderren Bat, bi, hiru bikainean). Nahikoa da horretan pentsatzea konpositore sobietar honen musikaren oinarrizko ezaugarrien ideia egiteko: inspirazio freskoa, energia indartsua, bere garaiko abangoardiako esperimentuetatik oso urrun dagoen tonu-hizkuntza eta bere lurraldeko musika tradizional eta folklorikoaren iturriekiko hurbiltasun nabarmena.

Lurralde hau Armenia izan zen, Kaukasoren bihotzean, bere gurasoen sorlekua eta bere oroimena gurtzen den tokia, nahiz eta bera Georgian jaio eta bere haurtzaroa Tiblisin eta bere bizitza heldu eta sortzailea batez ere Moskun eman zuen. Aram gaztea, 21 urterekin, anaiarekin hiriburura bizitzera joan zenean hasi zen musikari lanbidera hurbiltzen. Orduan, bere talentu nabariak aurreko prestakuntza tekniko eskasak ezarriko lizkiokeen oztopo akademikoak gainditzeko aukera eman zion, eta Miaskovski bezalako irakasle garrantzitsuekin eta zentro ezagutuetan ikasi ahal izan zuen. Beraz, 30eko hamarkadan Moskun dugu jada, bere lehen obra garrantzitsuak arrakasta handiz aurkezten. Eta 1940an David Oishtrak berak, biolinaren mito batek, konpromisoa hartu zuen gaur gauean izango dugun biolin kontzertuarekin: ikasi, estreinatu eta grabatu egin zuen.

Orain itzuliko gara horretara; lehenago, agian, Stalinen agintepean eta Andrei Zhdanovek, errealismo sozialistaren arau zorrotzak desafiatzera ausartu zirenak dardarka jarri zituen komisario kultural beldurgarriak, garai hartan bertan sortutako purgaketa musikal berberek Khachaturiani eragin ote zioten galdetzen ari zarete. Zhdalovengatik, Shostakovitxek, kondairaren arabera, beti egiten zuen lo, jantzita eta maleta prest, Siberiara bidaltzeko bila etortzen bazitzaizkion ere; beragatik Prokofiev ia isiltasunera murriztu zen bere ibilbideko azken urteetan.

Bada, hasiera batean, Khatxaturian ez zen biktima erraza; aldeko hainbat ezaugarri zituen. Lehenengoa, musikaz kanpokoa: Georgian jaio eta Moskun bizi zen armeniar bat, 1943tik alderdian afiliatua eta publikoak ondo kontsideratua; nahiko datu dira antzeko artistatzat hartzeko eta, hain zuzen ere, sobietar errepubliken integrazioaren adibide gisa. Gainera, bere lengoaia musikalak, lehen aipatutakoak bezalako beste lankide garaikide batzuen zalapartarik edo abangoardia-aire arriskutsurik gabe eta, hala ere, herri sobietarraren musika tradizionalari atxikita, jarraitu beharreko eredu bihurtzen zuen. Jakina, zinemarako eta antzerkirako musika idazteko funtzio garrantzitsua ere bete zuen, bai eta izaera politiko handiko lanen bat ere, hala nola Poema Stalini. Eta, hori gutxi balitz, Sobietar Batasuneko kidea zen, 1957tik hil zen arte bertako idazkaria izan zelarik.

Hala ere, berak ere igaro behar izan zuen bere gurutze-bide berezia, Prokofiev eta Shostakovichekin partekatu zuena, hain zuzen ere, 1948an hirurak formalismoaz akusatu zituztenean: hori da une hartan sortzaile bati aurpegiratu ahal zitzaion gauzarik txarrena, suposatzen baitzuen forma musikal hutsaz gehiago arduratu zela, bere lanean artisten ardura zen mezu eraikitzaileari jaramonik egin gabe; eta horrek arte burges eta antisozialistarantz bihurtzea suposatzen zuen. Khatxaturianek bere burua erruduntzat jotzeko zentzu ona izan zuen, eta horrela errehabilitazio azkarra lortu zuen. Parentesi horregatik izan ezik, oro har erregimenak estimatutako musikaria izan zen. 1953an, Stalin hil zenean, poz txiki bat eman zion bere buruari, jazarpen hura salatu zuenean.

Biolinerako kontzertua entzuten duzuenean, ez zarete harrituko beren sorkuntzaren indarguneetako bat dantza-musika izatea (adibidez, Espartaco edo Gayanéh ballet ospetsuak, lehen aipatua), obra izugarri bizia baita, oso erritmikoa eta benetan nekagarria bakarlariarentzat. Bide batez, oraingo honetan lan nekagarri horretarako ezin egokiagoa den biolin jotzaile baten presentziaz gozatuko dugu: bere abizena Khatxatrian da, musikagilearen antzekoa bereziki, ez du engainatzen: bera ere Armeniakoa da jatorriz, eta, beraz, pieza hau ia nahitaezkoa da bere errepertorioan, eta suposatzen dugu oso ongi ezagutzen dituela erritmoaren berezitasunak eta obra eraikitzeko erabilitako egiturak.

Izan ere, nahiz eta ez duen gai zehatzik aipatzen, kontzertu hau armeniar modu folklorikoetan oinarritzen da hurbiletik, bai bere erritmoaren izaeran, bai harmonian, tradizioaren berezko eskalak erreproduzitzen baititu, eta horiek bira melodiko partikularrak eragiten dituzte, hala nola bigarren maila areagotukoak (tonu eta erdi bat), mendebaldeko tonalitateetan kasu oso zehatzetan baino existitzen ez direnak. Horregatik, eta azaltzen ez dakigun arren, kontzertu honetako musikak (eta, oro har, Khatxaturianenak) berehala ekartzen digu belarrira ekialdeko halako oroitzapen bat. Asiaren eta Europaren arteko musika bezala defini genezake, Kaukasoaren mugako lekuari eta bere antzinako kulturaren ezaugarriei ondo egokitzen zaiena.

Bestalde, Khatxaturianek oso modu argian adierazten du anbibalentzia interesgarri hori; izan ere, nahiz eta material folklorikoa oinarri gisa erabili, Moskuko eraketak mendebalderago jotzen du lanaren egiturari dagokionez (kontzertu bat forma tradizionalean, hiru mugimendurekin; bakarlariaren eta orkestraren arteko ohiko elkarrizketa-egitura…), eskema harmonikoak (tonalitate modernoarena, non modalitate tradizionalek kolore desberdina ematen duten, baina oinarria ezegonkortu gabe) eta orkestrazioak berak, azken finean, biolin bakarlari baten nortasunak eta orkestra sinfoniko oso bat erabakigarri dira obraren soinua markatzeko.

Emaitza nahasketa liluragarria da, hasieratik amaierara elektrizatuko gaituena; izan ere, obraren oinarrizko nota intentsitate erritmikoa da, abiadura, energia elektrikoa, mugimendu geldo zentralean soilik oinarritzen direnak, eta, horren truke, melodia ederrak oparitzen zaizkigu, ia inprobisaziozko bira eta arabeskoz apainduak.

Azken finean, Khatxaturianen inspirazio fresko eta gainezkagarriaren ondorioz, musika indarberrituko jaialdia izango da, kontzertuaren lehen zatiaz gozatzeko.

Eta bigarrenean, Ralph Vaughan Williamsen bosgarren sinfonia etorriko zaigu, hasieran aipatzen nuena. 1872an jaioa, 1958an hil zen arte bizirik iraun zuen konpositore luze honek musika britainiarraren berpizkundearen gailurretako bat irudikatzen du XIX. mendearen amaieran eta XX. mendearen hasieran. Inoiz esan dugun bezala, benetan zaila da Haendel hil zenetik, Edward Elgar iritsi zen arte, 100 urte baino gehiago igaro ondoren, musikagile britainiar garrantzitsuen izenak aipatzea. Eta hori Haendeli herritartasun ingelesa emanez, bestela Henry Purcellengana jo beharko litzateke.

Hala ere, belaunaldi distiratsu batzuk Elgaretik Brittenera igaro ziren, galdutako distira Fairest Isle, all Isles excelling (irla guztiak gainditzen dituen uharterik ederrena) haren musika artera itzuliz, Purcellek, hain zuzen ere, bere Arthur Erregean kantatu zuena. Iritzia ematen uzten badidazue, konpositore horien guztien arrakastaren gakoa izan zen nola jakin zuten beren sorkuntza berriak, modernoak edo ez hain modernoak, oinarritzen, bai musika ingelesaren urrezko garaiko lorietan (Errenazimendua eta Barrokoa), bai beren lurraldeko tradizio folkloriko edo erlijioso aberatseko doinu eder eta zaharretan. Horrela, maila afektiboan publikoarekin sakonki konektatu zuten eta, gainera, iraganarekin elkarrizketa emankorrean etorkizuneko lanari zentzua ematea lortu zuten. Horregatik, desberdintasunen gainetik, nabarmenak direnak, Elgar, Vaughan Williams, Gustav Holst bere lagun mina, Arnold Bax, William Walton, Malcom Arnold, Frederick Delius (guztietan frantsesena) edo Benjamin Britten bikaina bezalako autoreek, besteak beste, berehala identifikatzen dugun nolabaiteko doinu komuna partekatzen dute. British kutsu gisa defini genezake.

Gaurko protagonistaren kasuan, bere estilo bereziaren definizioa bi elementutan oinarritzen da batez ere; lehenengoari buruz hitz egin berri dugu: Vaughan Williamsek ondo baino hobeto ezagutzen zuen Ingalaterrako iragan musikala, bai alderdi kultuan, bai herrikoian. Hortik sortu ziren haren lanik ospetsuenetako batzuk, hala nola Thomas Tallisen gai bati buruzko Fantasia zoragarria (Master and Commander lanaren soinu-bandak emana) edo Greensleavesi buruzko Fantasia, bai eta abesti herrikoien, antzinako ereserki erlijiosoen edo Shakespeareren garaiko melodien koru-harmonizazio ugariak ere (bardoaren testuetako moldaketa batzuk barne, musika koralaren gailurrak irudikatzen dituztenak, hala nola Full fathom five edo The cloud capp ‘d towers). Hainbeste inspiratu zen material tradizional hori Ingalaterrako landazabalean egindako ibilaldi etnomusikologikoen emaitza izan zen, Gustav Holstekin batera. Gustav Holst, astronomia musikal bikaina egiteaz gain, bere herrialdeko musika tradizionalaz maitemindu zen. Elkarrekin antzinako doinu ugari bildu, idatzi, argitaratu eta erabili zituzten beren lanetan. Hortik dator Vaughan Williamsen musikaren forma koloretsua; iraganetik datorren baina etorkizunera proiektatzen den ezaugarria, nolabait, musika atonala egin gabe tonalitateari alternatiba bat aurkitzeko aukera eman baitzion konpositoreak; modernoa izatea abangoardista izan gabe. Bere musikak Errenazimentuko sistema musikala gogorarazten du, baina, aldi berean, XIX. mendeko erromantizismoa mantentzearen eta tonalitatearekin eta tradizioarekin haustearen arteko hirugarren bidea da. Nolabait ere, Armeniako folkloreak Khatxaturianen obran duen eraginarekin lotu dezakegu, lehen aipatu dugun bezala, kasu horretan ere kolore berezi horrek tonu-egiturari eusteko aukera ematen baitio, hizkuntza erromantikoaren inflexioak hitzez hitz errepikatu gabe.

Vaughan Williamsen ahots musikala ulertzeko beste gako bat konpositore gisa duen prestakuntza da. Lehenik, Ingalaterrako musika koraleko bi maisuren eskuetatik igaro zen, hala nola Parry eta Stanforden eskuetatik (ahotsetarako ekoizpen zabalean agertzen den arrasto sakona utzi zion horrek). Ondoren, Max Bruchekin izan zuen pasarte labur bat, konpositore gazteak Berlinen eman zuen eztei-bidaian, eta Maurice Ravelekin hilabete emankor eta esanguratsu batzuk egin zituen. Honek ez zuen oso gogoko ikasleak izatea, eta gutxi batzuk baino ez zituen hartu; beraz, zerbait ikusi bide zuen oraindik ezezaguna zen Ingalaterratik etorritako izangaiarengan. Gaur gauean eskaintzen zaigun bosgarren sinfonia entzun bezain laster, aurretik bere beste obrarik ezagutu ez baduzue, zalantzarik gabe, nola aprobetxatu zituen Ziburuko maisuarekin egindako lanaldiak. Orkestrazioaren sotiltasuna, tinbreen aberastasun bikaineko soinu-paisaien sorkuntza, koloreen barietatea… Hori guztia, hala ere, Ravelen inpresionismo zehatzaren kopia batekin topo egin gabe: “nire ikasleetatik nire musika egiten ez duen bakarra da”, esan zuen ikasleak bere dizipuluaz.

Musika egiteko modu hori joera modalarekin ezin hobeto uztartzen da; izan ere, Debussyren inpresionismoaren oinordekoek ekialdetik etorritako eskala exotikoen nahiz beren obretarako asmatutakoen kolore-aukerak aprobetxatzen jakin zuten, baita antzinako moduen tradiziotik jasotakoak ere.

Zume horiekin, Vaughan Williams nekaezinak katalogo zabala bildu zuen. Aipatu ditugun piezez gain, koru eta orkestra handirako kantu, kantata eta oratorio ugari (agnostizismo alaia izan arren, Bibliako testuen edertasunarekiko erakarpen handia sentitu zuen beti), poema sinfonikoak eta opera batzuk ere biltzen ditu. Eta, jakina, bederatzi sinfonia bikain, hauen artean itsas paisaia sinfoniko-koral ikusgarri bat (lehena: A sea symphony, Walt Whitmanen testu ederren gainean), izotzaren esploratzaileei egindako omenaldi bikain bat (zazpigarrena: Sinfonia Antartikoa), bere Pastorala (hirugarrena) edo Londresko hiriaren erretratu maitagarri bat (bigarrena: A London symphony). Horiek guztiak guztiz gomendagarriak dira, eta azken erromantizismo kolosaletik austeritaterik handienera doaz.

1935ean estreinatu zen, hain zuzen ere, laugarren sinfonia: obra horrek nolabaiteko harridura sortu zuen bere izaera bortitz, kezkagarri eta ia tragikoagatik, publikoak egilearengandik espero zuena baino hizkera musikal garratzago, disonante eta ezegonkorragoaren ondorioz. Zalantzarik gabe, Europako egoera tirabiratsua, Espainiako gerra eta Bigarren Mundu Gerra iragartzen zituena, nazismo goranzkorraren izugarrikeria benetan sentitzen hasia zena, Errusiako Iraultzaren ondorioek oraindik sutu zutena, une historikoaren antsietatea perfekziora eramaten zuen musika baten hazkuntzarako hazitegi egokia zen. Hala ere, kontzertu honetan entzungo dugun bosgarren sinfoniak, 1938 eta 1943 artean sortua izan arren, hau da, tentsio horiek guztiak lehertu eta giza hondamendirik latzenera eraman zirenean, oso bestelako izaera erakusten du. Obra baketsua da nagusiki, batzuetan nahiko argitsua ere bai, hizkera harmoniko bare, kontsonante eta atseginean idatzia, Vaughan Williamsen ezaugarri den grazia modal guztiarekin.

Agian musikariak, europar guztiak bezala gerraren ikaraz inguraturik, bonben eta heriotzaren aurkako soinudun aterpe bat behar ote zuen? Pentsa ezazue, musika hau entzutean, konposatzen zuen bitartean, egileak, hirurogeita hamar urte zituela, aktiboki parte hartzen zuela Londresko gerra-ahaleginean: kontzertuak antolatzen National Galleryn, herritarren moralari eusteko, edo zenbait batzorderen bidez musikari erbesteratuei eta nazismoaren errefuxiatuei laguntzen. Gauero, hiriak Luftwaffeko bonbardaketak jasaten zituen bitartean, emaztearekin eta senar-emazteen lagun min eta alargun berri batekin egiten zuela lo, ohe berean eskutik helduta. Nork ez luke egoera horretan musika-baltsamorik beharko?

Nolanahi ere, izan gaitezen zuhurrak gure egilearen obraren interpretazio programatikoekin; urte batzuk geroago, seigarren sinfonia sortu zuenean, berriro dramatikoa eta tentsioduna, berak garrantzia kendu zien publikoaren eta kritikaren interpretazioei, gerra hotzaren hasierarekin lotu nahi izan baitzuten, baita arrisku nuklearraren beldurrarekin ere. Horren aurrean, erantzun zuen: “Badirudi jendeari ez zaiola inoiz bururatzen gizon batek musika-pieza bat idatzi ahal izatea, besterik gabe”.

Nolanahi ere, sinfonia honetan hainbat erreferentzia antzeman ditzakegu, Vaughan Williams aurretik konposatzen hasitako opera baten motiboen ingurukoak: The Pilgrim’s Progress. Erlijio kutsuko fabula moral horrek Ingalaterran oso ezaguna izan zen testu bat du oinarri. Zehazki, John Bunyan-ek 1678an idatzitako testu bat da, non salbazioaren bila dabilen erromes baten abentura alegorikoak deskribatzen diren, zeinak munduan dauden arriskuei eta tentazioei aurre egin beharko dien. Proiektu horrek arrakastarik izango ez zuelakoan, konpositoreak beste obra batzuetan erabili zituen obra horren motiboak, bereziki, gaurkoan entzungai dugun honetan. Baina ez zaitezte larritu: urte batzuk geroago, obra hura arrakastaz amaitu zuen, eta nahi duzuenean goza dezakezue, grabazio on bat edo beste eskuragarri dago eta.

Azter dezagun, orain, obra bere horretan, hain zuzen ere, sortu zeneko testuinguru esanguratsu hori alde batera utzita. Vaughan Williamsen pieza sinfoniko gehienek bezala, obra honek lau mugimendutako eskema klasikoa eta horien izaera bereizgarria errespetatzen ditu.

Lehenengo mugimenduari Preludio izena eman zion, beharbada, lainoetan sortu eta, pixkanaka, bere bidea bilatzen duelako, lerroak argi eta garbi ezarri gabe. Urrunetik diskurtsoari bide ematen dioten tronpen dei batekin hasten da; motibo modal kulunkaria eta oso apala da, harien pedal grabe baten gainean esekita dagoena, bere tonalitatearekin bat ez datorren nota batean, eta lehenengo mugimendu osoan garatuko den tonuaren anbiguotasuna markatzen du. Motibo labur hori ziklikoki agertuko da, mugimendu osoaren puntu gorena bihurtzen den arte.  Haren oihartzunetik keinu liriko zabalak sortuko dira harietan, astiro esnatzen direnak eta soinu-paisaia emeki argitzen dutenak, kontenplazio gozora gonbidatzen duen argi leun eta bare batekin; iruditzen zaigu egun lasai eta bereziki eder bat argitzen ari dela, mugimenduaren lehen zati osoan patxadaz distiratzen duena. Garapenak une asaldatuagoetara eramango gaitu, tempoa azkartu egingo baita, baina, azkenean, hasierako motiboaren beste aurkezpen batera eramango gaitu, orain orkestra osoaren eskutik, eguerdi partean erabat argiztatuta dagoen gailur distiratsu batean.

Sakontasun handiko hasiera horren ostean, arintasunerako unea aurkitzea komeni da; hori dela eta, Vaughan Williams-ek hemen sartu zuen Scherzoa, nahiz eta, normalean, sinfonia klasikoetan behintzat, hirugarren mugimenduan aurkitu ohi dugun. Hasieran, melodiak baino, erritmoak markatzen du musikaren izaera, kontraste handiko zelula erritmiko desberdinen nahasketari esker, zeinek motibo melodiko etenen gainetik hegan dabilen bilbe bat ehuntzen duten. Giroa, orokorrean, jostaria eta arina da.

Horrela iritsiko gara obraren bihotzera: hirugarren mugimendura: Romanza izena du, baina izen hori ez datorkio motibo erromantikoetatik, baizik eta, segur aski, esangura berezitik edo mugimendua inguratzen duen lirismo melodikotik.  Egileak arestian aipatu dugun Bunyan-en testuaren aipua jarri zuen goiburu gisa: “Toki horren gainean gurutze bat zegoen, eta zertxobait beherago hilobi bat. Orduan, esan zuen: bere sufrimenduarekin eman dit atseden, baita bizitza ere bere heriotzarekin”. Pieza eder baino ederrago honek ere The Pilgrim’s Progress obran erabilitako melodia bat du abiapuntu, adar ingelesak jotzen duena. Motibo hori eta beste asko hausnarketa sakoneko tonu batekin korapilatzen doaz eta, pixkanaka, intentsitate espresiboko une miresgarriak eskaintzen dizkigute. Oro har, hasperen luze baten modukoa da, arnasa bete-betean hartuta zabalduz doana, eta amaitu orduko emekiro lasaitzen da. Vaughan Williamsen lanik onena dugu hau, zirrara gehien eragin diezagukeena, obraren sentikortasunari eta onberatasunari esker. Lan honetaz gozatu eta musikari handi hau hobeto ezagutzera animatzen zaituztet, baldin eta oraindik ezagutzen ez bazenuten.

Passacaglia batekin amaitzen da obra, hau da, Errenazimenduko eta Barrokoko musikan jatorria duen forma batekin, gure konpositorea tradizio ingeles aberatsenarekin lotzen duena (esaterako, Henry Purcell-en ground askorekin, oso antzekoa den musika-teknika bat). Brahms-ek dagoeneko passacaglia erabilia zuen bere laugarren sinfoniaren azken mugimenduan: monumentu musikal bikain bat. Hauxe da passacaglia bat: baxu batean oinarritutako egitura harmoniko baten etengabeko errepikapena da; egileak horren gainean aldaraziko ditu melodia, ornamentazioa, orkestrazioa…. hau da, errepikapenaren monotonia saihestea lortuko duten elementu guztiak. Erronka itzela da, beraz, eta sormenaren eta talentuaren isla. Nolanahi ere, ez da formaren aplikazio zorrotz bat, izan ere, kasu honetan, Vaughan Williams-ek malgutasunez egiten dio aurre, eta alterazioak sortzen ditu bere interes espresiboen arabera. Amaiera honek daukan orkestrazio bikaina nabarmentzekoa da oso, Ravelekin egindako ikasketen oinordetzaren isla baita. Amaiera horren punturik gorenean, lehen mugimenduko motibo nagusia agertzen da, obraren hasieran tronpek egindako deia, orain orkestra osoak interpretatuko duena. Hasiera eta amaiera lotzearekin sortzen den noranzko zikliko horren ostean, musika apurka-apurka eta emekiro isiltzen doa, bake sentsazio hausnarkor bat eraginez entzulearengan, obraren funtsezko mezua izan daitekeena.

Eta ez dago mezu egokiagorik gaurkoan, hain zuzen ere gure Europa zaharrean gertatzen ari den gerra krudel batek samintzen gaituen honetan, gaurko kontzertua osatzen duten bi obra hauena baino, beste gatazka beliko baten testuinguruan idatzi ziren arren, integrazioari, hausnarketari eta gupidari buruz hitz egiten baitigute. Musikak erakuts diezagula bakea gerran.

Iñaki Moreno Navarro

Sergey Khachatryan.

Biolina

Sergey Khachatryan Armeniako Erevan herrian jaio zen, eta Helsinkiko Jean Sibelius Nazioarteko VIII. Lehiaketan lehen saria irabazi zuen 2000. urtean, lehiaketa honen historiako irabazlerik gazteena bilakatuz. 2005ean lehen saria lortu zuen Bruselako Queen Elisabeth lehiaketan.

22/23 denboraldian zehar, Sergeyren nazioarteko presentzia honako hauen emanaldietan oinarritzen da: Dresdner Philharmonie (Cristian Măcelaru), SWR Symphonieorchester (Michael Sanderling), Estrasburgoko Filarmonika eta Milango Verdi Orkestra (Stanislav Kochanovsky), Galiziako Orkestra Sinfonikoa (Andrew Litton), Royal Philharmonic Orchestra (Vassily Petrenko), Bilbao Orkestra Sinfonikoa (Tarmo Peltokoski), DRP Saarbrücken (Pietari Inkinen) eta Montecarloko Orchestre Philharmonique (Juraj Valčuha). Denboraldi honetako puntu gorena Sergeyren egoitza izango da, Valentziako Orkestrarekin, Alexander Liebreichek zuzendutako hainbat kontzertu barne hartzen dituena, ganbera proiektu bat barne, non Sergeyk Bachen Biolinerako kontzertu bikoitza interpretatuko duen.

Pandemiaurreko denboraldien alderdirik nabarmenenak Sergeyren BOZAReko (Brusela) egoitza izan zen, errezitaldi pare bat eta Orchestre National de Belgique eta Hugo Wolffekin emandako kontzertu bat barne. Herbehereetako Irratiko Filarmonikoarekin eta Stanislav Kochanovskyrekin, Orchestra della Svizzera Italiarrarekin eta Gulbenkian Orkestrarekin ere aritu zen, Lorenzo Viotti, Bamberger Symphoniker eta Ludovic Morlot eta Rotterdam eta Valery Gergieveko Filarmonikarekin batera, baita Milango Scala Antzokian ere, Myung-Whun Chungen zuzendaritzapean. Sergey Estatu Batuetan eta Europan ere ibili zen Alisa Weilerstein eta Inon Barnatonekin Transfigured Nights programarekin, Beethoven, Schoenberg eta Shostakovichen musikarekin.

Azken denboraldietan, Sergey honako hauekin aritu da: Südwestrundfunk Symphonieorchester (Christoph Eschenbach), Bamberger Symphoniker (Herbert Blomstedt eta Jonathan Nott), Münchner Philharmoniker (James Gaffigan), Swedish Radio Symphony Orchestra (Valčuha), Mariinsky Antzokiko Orkestra (Valery Gergiev) eta Parisko Orkestra (Andris Nelsons eta Gianandrea Noseda). Berlingo Filarmonika, Concertgebouwko Orkestra, Radio Filharmonisch Orkest, Rotterdameko Filarmonika, Belgiqueko Orchestre National, London Symphony, London Philarmonic, RAI Torino, Tokioko NHK-ko Sinfonika eta Melbourne Symphony Orchestrarekin kolaboratu du.

Tarmo Peltokoski.

Zuzendaria

Tarmo Peltokoski orkestra zuzendari finlandiarra "Zuzendari Gonbidatu Nagusi" izendatu zuen Deutsche Kammerphilharmonie Bremenek 2022ko urtarrilean, orkestraren 42 urteko historian kargu hori betetzen duen lehen zuzendaria izanik.

2022ko maiatzean, Peltokoski Letoniako Orkestra Sinfoniko Nazionaleko Musika eta Arte Zuzendari izendatu zuten. 22/23 denboraldian hasiko du agintaldia. Ondoren, Rotterdams Philharmonisch Orkesteko zuzendari gonbidatu nagusi izendatu zuten. 2022ko abuztuan, 22 urte zituela, Wagnerren Eraztunaren lehen zikloa osatu zuen Eurajoki Bel Canto Festival-en.

Joan den denboraldian arrakasta handiz egin zuen debuta Hr- Sinfonieorchester, Radio Franceko Orchestre Philharmonique eta Rotterdameko Filarmonikoarekin.

2022ko udan Rheingau Musik Festival, Schleswig-Holstein Musik Festival, Beethovenfest Bonn eta Musikfest Bremen taldeetan aritu zen. 22/23ko denboraldian, Tarmo Peltokoski Hong Kong Philharmonic, Toronto Symphony Orchestra, RSB Berlin, Hallé, Konzerthausorchester Berlin, Düsseldorfer Symphoniker, Göteborgs Symfoniker, San Diego Symphony eta Orchestre Nacional du Capitole de Toulouse zuzenduko ditu. Eurajoki Bel Canto Festival-era itzuliko da Tristan und Isolde zuzentzeko.

Yuja Wang, Asmik Grigorian, Matthias Goerne, Jan Lisiecki, Julia Fischer, Golda Schultz, Martin Fröst eta Sol Gabetta bakarlariekin lan egin eta egingo du.

Tarmo Peltokoskik 14 urterekin hasi zituen ikasketak Jorma Panula irakasle emerituarekin, eta Sakari Oramorekin ikasi zuen Sibelius Akademian. Hannu Lintu, Jukka-Pekka Saraste eta Esa-Pekka Salonenen eskolak ere jaso ditu. Piano-jotzaile txalotua, pianoa ikasi zuen Sibelius Akademian Antti Hottirekin, lehiaketa askotan saritu dute eta bakarlari gisa aritu da Finlandiako orkestra nagusiekin.

2022an Rheingau Musik Festival jaialdian Lotto Prize saria jaso zuen.

Gainera, Tarmo Peltokoskik konposizioa ere ikasi du eta komedia musikalaz eta inprobisazioaz gozatzen du bereziki.