Musika onaren balioa

Arratsalde honetako programak gazteei begira jartzen ditu gure belarriak. Bi ikuspegietan: konposizioa eta interpretazioa.

Frischzellenkur hitza “zelula freskoen bidezko terapia” dela esan liteke, eta Birke Bertelsmeier (Hilden, 1981) izenburu hori ematean, gizateriaren historian behin eta berriz errepikatzen den gertaera bati buruzko hausnarketa musikala proposatzen da: betiereko gazteriaren bilaketa –beti irrazionala–.

Baserriko zenbait animaliaren zelula freskoen inokulazioaren bidezko terapia Paul Niehans transplante-espezialistak sortu eta garatu zuen. Bere ospearen maila gorenera iritsi zen, era askotako pertsonaiak erakarri baitzituen Suitzara: Pio XII, Winston Churchill, Marilyn Monroe, Greta Real Garbo, Hirohito, Pablo Picasso, Marlene Dietrich, Charles de Gaulle, Erresuma Batuko errege familiako kide batzuk eta Niehans metodoaren ontasun miragarriez interesatu ziren beste pertsona asko.

Baina partiturari izena ematen dion muturreko metodo hori baino askoz ere lehenago, mendeetan, gazteria bere muga naturaletatik haratago zabaltzeko beste ahalegin batzuk egin dira, kaltegabeak edo ez hain kaltegabeak. Gehienak zentzugabeak dira, eta zentzugabea da fatrasie bera ere: Frantziako Erdi Aroko poesia bat, eta horren muinean zentzurik eza zegoen. Bertelsmeierrek azaldu digunez, eta eldarniozko giza anbizioa zentzurik gabeko forma poetiko horrekin lotzeko, fatrasie-en errima-eskemak formalki egituratzen du bere konposizioa, hamahiru zatitan, honela antolatuta: AB AabaabbaB. Bertsoak zelula erritmiko desberdinek sortutako mugimendu desberdinek irudikatzen dituzte. Horietako bakoitza, gainera, orkestra-sorta bati lotuta dago neurri batean, eta, hala, bereizten saiatzen da.

Mugimendu ezegonkor samar bati ekin ondoren, eta betiere gainerako guztiari lotuta egon daitekeen trinkotasunik ez duen erritmo paradoxikoaren premisari jarraituz, baina hamahiru zatiko eskema erritmikoaren barruan, diskurtsoa hainbat dantza-erritmoren bidez egituratzen da bere ataletan (aipatutako zelula erritmikoak), eta orkestra-kolorearen aberastasunari esker aurrera egiten du: metalezko haize-instrumentu tinbre efektuak; askotariko perkusioa, superball-ekin jotako tam-tama hartzen duena hain zuzen ere, edo piano prestatua gehitzen duena. Piano prestatu horretan, zura eta beira erabiltzen dira sokak sakatzeko, eta tekla batzuk zapaltzen dira soinurik egin gabe, sokak bibrazioan sar daitezen.

Guztia piezaren hasierako zatia gogorarazita amaitzen da. Konpositorearen hitzetan, “Musika-zelula fresko txertatuak dituen orkestrarako fatrasie bat da”.

Fryderyk Chopin jaunak (Żelazowa Wola, 1810 – Paris, 1849) Skarbek kondearen jabetzako finka batean ikusi zuen argia, Varsoviatik gertu. Aita, frantziar immigrante bat, han zegoen, eta ama, behera etorritako Poloniako familia noble batekoa, konpainia-dama zen. Haren izarra Parisko argiarekin itzali zen, eta bertan eman zuen ia bizitza erdia. Aurrekari horien ondorioz, nortasun paristar gozoa izan zuten, baina poloniar morala, hizkuntza sublime bezain berritzailea. Musikaren edertasuna espiritu berezi baten emaitza da, prestutasuna ukitzen duena, eta, horretarako, oldarkortasuna, edozein adierazpenetan, beti egon zen distantzia egokian. Baina, haratago, haren diskurtsoa liluragarria da konpositoreentzat, interpreteentzat eta musikologoentzat, eta XIX. mendearen amaieratik aurrera, katalogoari ezarritako esanahi ugariak Musikaren Historian duen irudia areagotu baino ez zuen egin: harmoniaren berritzailea den aldetik duen ausardia, musika-forma laburren esperimentatzaile gisa zuen dimentsioa –hogeigarren urtea bete ondoren, musikagile gisa proiektatu zen– eta haren jarrera.

Parisen, hein handi batean, gloria hasi zen: hil ondoren, Frantziako prentsak Chopin-en profil bat aurkeztu zuen, adierazpen poetikoaren nozioan oinarrituta, eta horrek gorena eta misteriotsu dena gogorarazten du, barru-barrura bideratua. Ildo horretan, konpositorearen Frantziako lehenengo biografietako bat Chopin ou le poète izenburupean argitaratu zen. Eta zer esan Marcel Proust-ek Chopinen melodiari buruz egin zuen deskribapenari (oraindik hobetzekoa dena) buruz: “… esaldi luze eta bihurgarri horiek […] hain askeak, malguak, hain ukimenekoak, notak lortzea espero zitekeen puntutik haratago esploratzen hasten direnak, fantasiazko bidezidorretatik irudikatzeko, indar handiagoz itzultzeko soilik –errepikapen hausnartuagoarekin, zehaztasun handiagoarekin, kristalezko ontzi batean bezala: bertan islatzen dena- bihotza astintzeko”. Chopinek, musika frantsesarentzat, areto-kulturaren balioen iraupena irudikatzen zuen bere goren aldian: zorroztasun-, fintasun- eta sofistikazio-artea.

Baina alemaniarrek bultzatu zuten Chopin konpositore handien kanonean sartzea, 1878 eta 1880 artean egindako lan osoen edizioaren bidez. Breitkopf eta Härtelek, musika-edizioei dagokienez hiri nagusiko lehen argitaletxeak -Leipzig-, konpositore “klasiko” bihurtu zuen Chopin.

Bestalde, bost errusiarren taldeak musikaren bidez nazionalismo kulturalaren modu bat sustatu zuen lehen konpositoreetako bat ikusi zuen. Ideia horren buruan, Balakirevek Chopinen lengoaia eta sormen-energia oso aurreratuak zirela adierazi zuen, Chopinek estetika nazionalistatik atera ahal izan zuena, neurri handi batean Poloniako musikaren sortzailea izanik. Horrekin, Errusiak lortu zuen Poloniako musika-zirkuluek beren herrikidea behar bezala estimatzea, eta estimazio hori 1894an eta haren jaioterrian Chopinen oroimenezko monumentu bat eraikitzean agertu zen.

Fa minorreko piano eta orkestrarako 2. kontzertua 1829ko martxotik maiatzera bitartean idatzi zen, pianista gazteak hemeretzi urte eskas zituenean.

Bera interprete bikaina izanik, bakarlariari ematen dion garrantzia funtsezkoa da, eta piano-kantua nabarmentzeko asmoz, orkestra-hondo delikatua sortu du. Izan ere, Chopinek behin baino gehiagotan interpretatu zituen bere kontzertuak orkestraren laguntza barik.

Nolabaiteko irekiera indartsu eta solemne baten ondoren, Chopinen melodia tipikoa eskaintzen du Maestosok, sonoritate distiratsua eta adierazgarria duena, bizitasun erritmiko handiak egituratzen dituen arpegio- eta kromatismo-sare arin baten gainean ehundua. Hortaz, bizitasun hori erlaxatu eta malgutu egiten da, nerabezarotik atera berri den jeinu baten xarma eta naturaltasuna galdu barik.

Larghetto-ri aroma ederren usaina dario, eta gauetako soinu-unibertsoa ageri da bertan. Dirudienez, Constanza Gladkowska abeslariaren oroitzapenari buruzko maitasunezko meditazio gisa jaio zen, eta, haren garaikide eta mireslearen hitzetan, Franz Liszt-en arabera, “Chopinek maitasun berezia zien bigarren Kontzertuaren mugimendu motelei, eta hura sarritan jotzea zuen gustuko. Marrazki osagarriak egilearen forma ederrenak dira, eta esaldi nagusia, miresgarria den handitasuna duena, errezitatibo txikiago batekin txandakatzen da, estrofaren aurkakoa moduko bat. Pasarte hori guztia perfekzio idealekoa da, eta sentimenduak, txandaka distiratsua eta errukiz betea, paisaia bikain bat irudikatzen du, argiz betea, Tempé haran zoragarriren batean, kontakizun tamalgarri eta urratzaile baten eszena izatera bideratua: zoritxar konponezina, gizakiaren bihotza nahasten duena naturaren handitasun paregabearen aurrean. Eta kontraste horri eusteko, tonuek bat egiten dute, hain zuzen haiek sortzen duten inpresio hunkigarrian ezer zakar edo disonante agertzea galarazten duen tinta-transmutazioa; irudipen horrek, aldi berean, malenkonia kutsua ematen dio poztasunari eta mina arintzen du”. Zalantzarik gabe, goren mailako deskribapena da, erromantizismoz josia, eta mugimenduak eragiten duen soinu-dualtasuna modu originalean islatzen du.

Allegro vivace-ko mazurka-aireak Poloniako elementu bat ekarri zuen: oso sentikorra zen Chopin horrekiko 1830ean Varsoviatik abiatu aurreko hilabeteetan, errusiar nagusitasunaren aurkako matxinada lehertu zen urtean. Poloniako elementu horrek polonesa eta mazurka itxurako bere ondorengo obran iraungo zuen, eta lagungarria izan zen Chopin konpositore errepikaezin bilakatzeko.

XIX. mendearen hasieratik Bohemia eskualdean kokatutako judu alemaniarren semea eta biloba, Gustav Mahler (Kaliste, 1860 – Viena, 1911) arrazaz baztertutako talde etniko batetik zetorren: bere herentzia erlijiosoa erabat galduta, kultura austriar-alemaniarrean errotzen saiatzen zen, haren parte sentitzeko. Horrek etengabeko deskokapen sentsazioa ekarri zion, bere bizitzan eta obran bilatzeko eta gainditzeko etengabeko ahalegina sortuta. Azken batean, txanpon bakar baten bi aldeak ziren. Musika salbaziorako taula izango litzateke Mahlerrentzat, eta bere etengabeko zalantzari behatzeko eta azaltzeko ispilua: “Alaitasuna eta sufrimendua musika bihurtuko dira”, zioen. Eta idazten zuen bitartean, bizirik zegoen. Eta alderantziz, Mahlerren musika bizitza bera baita, paradoxaz, gorabeheraz, kontraesanez, pozez, irrikaz, zalantzaz, ziurtasunez eta malenkoniaz betea. Dena sar daiteke bere sinfonietan: “Sinfonia bat idaztea mundu bat eraikitzea bezala da niretzat”, azpimarratzen zuen konpositoreak.

Mahlerrek ideia guztiak lotzeko duen gaitasunak, orkestrazioa maisutasunez eta segurtasunez erabiltzeak -aparteko zuzendari batek berezkoa du- eta ahotsak osotasun organiko baterantz eramateak gezurtatu egiten dute kontrakoek beren musikaren funtsik ezaren edo koherentziarik ezaren inguruan egindako erasoa. Kontua da Mahlerrek beti nahi izan zuela “mundu musikal bat, non denak lekua izango duen: gaua eta eguna, argia eta iluntasuna, barrea eta negarra, negu izoztua eta udaberri alaia, uda sutsua eta udazken malenkoniatsua, egunsentia eta ilunabarra”. Batzuetan, bizitza bera ez al da, bere konplexutasunean, zentzugabea?

Lehen sinfonian, Mahlerrek originaltasuna erakutsi zuen, hauen emaitza baino ezin izan zitekeena: artean hogei urte zituen konpositorearen arimaren eta bere musaren fruituaren arteko benetako identifikazioa. Budapesteko Orkestra Filarmonikoak 1889ko azaroaren 20an estreinatu eta zuzendu zuen obra, eta ikusleen artean sentsazio handia sortu zuen; izan ere, oso zaila zen instrumentu-sorta bakoitzean orkestra-agente ugari eta askotarikoak erabiltzea. Gainera, partitura sinfoniko batean motibo herrikoiak erabiltzeak lekuz kanpoko probokazioa zirudien pertsona askorentzat. Baina Mahlerrek leial jokatu zuen beti bere inspirazioarekin eta bere uste pertsonal eta estetikoekin, eta karrera sinfoniko bikain eta guztiz pertsonal baten hasiera bikaina izan zen Titan.

Sarreratik bertatik, musika pixkanaka eta modu miragarrian esnatze horrekin, musika adi-adi entzunarazten digu Mahlerrek. Haren ustez, “antzezpen orotan obrak birsortu egin behar du”, eta horregatik, entzumena benetako konpromisoa izango zen soinu-mundua ehuntzea izan zen bere helburua. Naturaren kantua gogora ekartzeak -erreferentea da bere ekoizpen osoan- bere Kamarada alderrai baten kantuen gaietako bat sartzen du, eta espiritu lanbrotsu, fresko eta bizi horrekin, lehen mugimenduaren konpasek paisaia naturalen distira eta handitasunetik igaroarazten gaituzte -misterioari eta itxaropenari nolabaiteko tartea utzita–.

Hurrengo Scherzon, Mahlerrek baserritar dantza zarpaila, indartsua eta xumea, balsaren fintze ukituarekin tartekatzen du.

Entzunaldiaren atalasea mendiz inguratutako belardiaren eta egongelaren artean jarriko balu bezala. Trantsiziorik gabe igarotzen gara batetik bestera, benetako jaiaren naturaltasunetik eta zerbait primariotik erromantizismo landu eta dotorearen sofistikaziora, tronparen deiaren abisu hutsarekin. Gogoratu: Mahlerrek adi egon gaitezen nahi du.

Hirugarren mugimendua existentziaren konplexutasunaren errebelazio oso bat da, partiturara eramana. Bertan, Frère Jacques haur kantuan oinarritutako hileta martxa bat bizi da, Europa erdialdeko herri dantza eta kantuen usainarekin. Gozotasunak, atsekabeak, malenkoniak eta introspekzioak pentagrametara jauzi egiten dute, giza itzulipurdi sortzaile, ausart eta funtsean gizatiar hau eratuz, mahleriar lengoaia aberatsak jatorri psikologikoa duelako, Freudek Mahlerri 1910ean izan zuen topaketa bakarrean emandako azalpenen arabera: gurasoen arteko eztabaida bortitzak, bere haurtzaroko herriko musika kale-musikara zainduak, bere haurtzaroko kantak eta dantza-kantak dira. Eta horri gehitu behar zaizkio bere aitak zuzentzen zuen tabernan entzuten zituen lagunarteko abestiak eta Austriar-hungariar Inperioko herriek ereiten zituzten destakamentu anitzen desfileei lotutako musika militarra. Haurtzaroari lotutako heriotza da Mahlerren arimako “aztarna psikologiko” ezabaezinetako bat, haurra zela bere hamaika anaietako seiren heriotza goiztiarra sufritu behar izan zuelako. Pertsona heldua izan zenean, bere alabetako bat bost urterekin hiltzen ikustearen mina ezagutu zuen. Bizipen horiek guztiak, ezinbestean bere buruan lotuak, bere musikan adierazi ziren.

Amaieraren indar eutsiezin eta asaldatuak -lehen mugimenduaren edertasun kontzentratuaren oroitzapenak gorabehera-, gaztaroko sinfonia honi gorazarre egiten dion azken ukitu beroa jartzen du, nekez berdintzen den heldutasun musikala erakusten duena.

Benetako talentuak, imitaezinak eta errepikaezinak, beren balioagatik eta esanahiagatik musika ona entzuten jarraitzen dutenak. Gozatu adi entzutearen pribilegioaz.

Mercedes Albaina

Alexandra Dovgan.

Pianoa

“Hau da aukera horietako bat. Alexandra Dovgan hamahiru urteko piano-jotzaileari nekez dei dakioke neska miragarri, miraria bada ere, ez baita ume-jolasa. Helduek egiten dutena da entzuten dena. Plazer berezia da niretzat Mira Martxenko bere musika irakasle bikainaren artea goraipatzea. Hala ere, gauza batzuk ezin dira irakatsi eta ikasi. Alexandra Dovganen talentua bereziki harmoniatsua da. Jotzeko era zintzoa eta kontzentratua du. Etorkizun handia iragartzen diot”.

GRIGORY SOKOLOV

Alexandra Dovgan 2007an jaio zen musikari familia batean eta lau urte eta erdi zituela hasi zituen piano ikasketak. Bost urte zituela, Moskuko Estatu Kontserbatorioko Musika Eskola Nagusian sartzeko proba oso lehiakorrak gainditu zituenean sortu zitzaion talentua. Gaur egun, Mira Martxenko irakasle ospetsuarekin ikasten ari da.

Alexandrak nazioarteko bost lehiaketa irabazi ditu, horien artean Moskuko Vladimir Krainev Nazioarteko Piano Lehiaketa, Astana Nazioarteko Lehiaketa eta “Intxaur-hauskailua” nazioarteko Telebista Lehiaketa. 2018ko maiatzean, artean 11 urte ez zituela, Alexandrak ospea lortu zuen mundu osoan, Denis Matsuevek sortutako Moskuko piano-jotzaile gazteentzako Nazioarteko Bigarren Piano Lehiaketako Sari Nagusia irabazi baitzuen. Kontzertu honetako irudiak munduan zehar ibili dira Medicin.TBn eta Youtuben, eta musikarien eta piano-zaleen arreta erakarri du munduan barrena.

Piano-jotzaile gaztea Europako kontzertu-areto ospetsuenetako batzuetan aritu da jada, Valery Gergiev, Vladimir Spivakov eta Vladimir Fedoseyeven batutapean.

Adin txikikoa izan arren, Alexandrak dagoeneko egin du debuta kontzertu-areto ospetsuenetako batzuetan. 2018an, Mariinsky Nazioarteko Piano Jaialdia inauguratu zuen Denis Matsuev eta Valery Gergievekin San Petersburgen. 2019an egin zuen lehen agerraldia Berlingo Philharmonie aretoan eta Amsterdamgo Concertgebouw areto handian, Marco Riaskoffen Meesterpianisten Seriean, eta txalo zaparrada eta kritika sutsuak jaso zituen prentsaren aldetik. 2019ko uztailean, piano-jotzaile gazteak txundituta utzi zituen kritikariak eta publikoa, Salzburgoko Jaialdian oso goraipatua izan zen emanaldi batekin.

2020-21 denboraldiko konpromiso aipagarrienen artean, Vienna Konzerthaus, Berlin Boulez Saal, Munich Prinzregententheater, Paris Théâtre des Champs Elysées, Tokyo Kioi Hall, Zurich Tonhalle, Klavier-Festival Ruhr eta Basilea, Milan, Kopenhagen, Zaragoza eta St Petersburgen errezitaldiak daude. Orkestrarekin dituen kontzertu nagusiak honako hauek dira: Mozarteum Orchestra Salzburg Trevor Pinnocken gidaritzapean, Stockholm Philharmonic Ton Koopmanekin, Bartzelonako Orkestra Sinfonikoa Kazushi Onorekin, Slovenska Filharmonija Philipp von Steinaeckerrekin, Orchestra Svizzera Italiana François Leleuxekin eta Moscow Virtuosi Vladimir Spivakovekin.

Berezko sakontasuna eta kontzientzia, edertasun eta zehaztasun ikaragarriko soinuarekin batera, Alexandraren pianismoaren ezaugarri bereizgarriak dira. Ez dago frogapen edo erakustaldi teknikorako inolako elementurik pianoa jotzeko moduan, baizik eta kontzentrazio ikaragarria adierazpen-garbitasuna eta irudimen sortzailea uztartuta. Alexandrak presentzia karismatikoa du eszenatokian eta nortasun desberdina.

Pianotik urrun, Alexandrak gozatu egiten du eskiatzen, organoa jotzen, balletean, matematika ikasten eta anaia txikiarekin jolasten.

Erik Nielsen.

Zuzendaria

Erik Nielsen zuzendariak trebetasunez lan egiten du operaren eta sinfoniaren alorretan. 2015az geroztik Bilbao Orkestra Sinfonikoaren zuzendari titularra da; halaber, 2016tik 2018ra bitartean Theater Baseleko musika zuzendaria izan zen, eta oraindik ere sarri gonbidatzen dute Sinfonieorchester Basel zuzentzeko. 2002an 10 urteko lankidetza hasi zuen Frankfurteko Operarekin, Korrepetitor (pianista) gisa lehenik eta Kapellmeister gisa gero, 2008tik 2012ra. Bertan, oso errepertorio zabaleko tituluak zuzendu ditu, Monteverdirekin hasi eta Lachenmanneraino. Frankfurten bizitzen hasi aurretik, Erik Nielsen harpa-jotzailea izan zen Berlineko Filarmonikoaren Orchester-Akademien.

20/21 denboraldirako dituen proiektuen artean honakoak nabarmentzen dira: debuta Dutch National Operan, Rotterdam Philharmonic Orchestra zuzenduz, Stravinskyren Oedipus Rexen produkzio berri batean; horrekin batera, Sammi Moussaren Antigonea operaren munduko estreinaldia egingo du, bai eta debutak ere Galiziako Sinfonikoarekin eta Orchestre der Tiroler Festspiele orkestrarekin, eta, era berean, Municheko Bayerische Staatsoperrera itzuliko da Richard Straussen Ariadne auf Naxosekin.

Azken konpromisoen artean, aipatzekoak dira: Kreneken Karl V, Municheko Bayerische Staatsoperrekin; Oedipus Rex, Il Prigioniero eta Pelléas et Mélisande Semper Oper Dresdenen; Trojahnen Peter Grimes eta Oreste Züricheko Opernhausen; Lachenmannen Billy Budd eta Das Mädchen mit den Schweflhörzern, Frankfurten; Usandizagaren Mendi Mendiyan, Pasioa San Joanen arabera eta Salome Bilbon, eta The Rake’s Progress, Budapesten. Horrez gainera, kontzertuak eman ditu Oslon, Manchesterren, Stockholmen, Madrilen, Estrasburgon, Lisboan, Basilean, Aspen Music Festivalen eta Interlochen Arts Campen.

Oso gazterik hasi zen pianoa jotzen. Erik Nielsenek orkestra zuzendaritza ikasi zuen Curtis Institute of Musicen, eta oboean eta harpan graduatu zen The Juilliard Schoolen. 2009an, Sir Georg Solti saria eman zion Solti U.S. Fundazioak.